Simone Martini

Simone Martini. Maestà du Palazzo Pubblico de Sienne (1315). Fresque, 763 × 970 cm. La Vierge à l’Enfant est assise sur un trône majestueux et entourée d’une foule d’anges, de saints et d’apôtres. Il est possible d’identifier de nombreux personnages. Par exemple, au premier plan et agenouillés apparaissent les quatre saints patron de la ville (de gauche à droite Sant'Ansano, San Savino, San Crescenzo et San Vittore) avec deux anges encadrant le trône. Les figures ont été placées sous un imposant baldaquin de soie rouge et se détachent sur un fond bleu profond.
Simone Martini est à la recherche d’un espace tridimensionnel représenté sur la surface plane du mur. Les poteaux supportant le baldaquin sont alignés vers un point de fuite déterminé empiriquement. La perspective linéaire géométrique n’apparaîtra qu’au siècle suivant. De même, les deux groupes de figures de chaque côté de la Vierge ne sont pas alignés mais disposés en profondeur sans que des rangées soient nettement perceptibles.

Simone Martini. Maestà du Palazzo Pubblico de Sienne, détail (1315). La Vierge conserve l’austérité byzantine mais ses gestes s’humanisent. La main gauche enserre délicatement l’Enfant et la main droite caresse son pied. Sur le visage, le contraste ombre-lumière n’a pas été négligé. La sophistication extrême des deux auréoles encadrant la tête résulte d’une technique nouvelle, le poinçonnage. Les motifs en relief sont réalisés en pressant des poinçons sur la surface. L’insertion de pièces métalliques dorées et de verre coloré permet d’accrocher la lumière.

Simone Martini. Maestà du Palazzo Pubblico de Sienne, détail (1315). A gauche de la Vierge, ce détail représente sainte Catherine d’Alexandrie.

Simone Martini. Saint Martin fait chevalier (1313-18). Fresque, 296 × 230 cm, chapelle Saint-Martin, Assise. La rigueur historique n’est évidemment pas de mise pour des artistes ignorant tout de l’Empire romain. Martini transpose donc à son époque l’anoblissement de Martin, nécessaire au Moyen Âge pour devenir un chef militaire. Musiciens, chanteurs, écuyers armés et fauconniers assistent à la scène. La recherche de la profondeur est approchée avec les éléments architecturaux qui permettent un effet empirique de perspective. Il se seront très utilisés un siècle et demi plus tard avec l’exactitude géométrique nécessaire.

Simone Martini. Le partage du manteau (1313-18). Fresque, 262 × 230 cm, chapelle Saint-Martin, Assise. Croisant un mendiant vêtu de haillons par une froide matinée d’hiver, Martin lui donne la moitié de son manteau. À gauche, la ville d’Amiens, où s’est produit l’évènement, avec ses fortifications crénelées.

Simone Martini. Le miracle de l’enfant ressuscité (1313-18)
Fresque, 296 × 230 cm, chapelle Saint-Martin, Assise.

Simone Martini. Le miracle de l’enfant ressuscité, détail (1313-18)

Une femme s’approche de Martin avec son enfant mort dans les bras. Elle le supplie de faire quelque chose. Martin s’agenouille et prie. L’enfant ressuscite, provoquant la sidération des personnes présentes.

Simone Martini. Le Portement de Croix (v. 1335). Tempera sur bois, 30 × 20 cm, musée du Louvre, Paris. Le Christ a été condamné à mort par Ponce Pilate et flagellé par ses soldats. Il doit mourir sur la croix au sommet du mont Golgotha, proche de Jérusalem. Simone Martini représente le Christ sur le chemin du Golgotha, entouré d'une foule, avec en arrière-plan, les remparts de Jérusalem.

Étude détaillée

Simone Martini. Le Portement de Croix (1333-40), détail. Tempera sur bois, musée du Louvre, Paris. Marie-Madeleine est représentée au second plan avec une taille démesurée par rapport à celle des autres personnages. Cet effet de perspective symbolique permet au peintre de mettre en évidence la douleur exprimée par le personnage. Simone Martini établit un dialogue pictural entre le Christ et Marie-Madeleine en choisissant le rouge vif de leurs vêtements qui se détache nettement de l'ensemble de la composition.

Simone Martini. Le Portement de Croix (1333-40), détail. Tempera sur bois, musée du Louvre, Paris. Le Christ cherche à se tourner à vers sa mère, la Vierge Marie, placée derrière lui. Son visage exprime la souffrance.

Simone Martini. La crucifixion (v. 1335). Tempera sur bois, 24,5 × 14,5 cm. Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anvers. Selon le Nouveau Testament, Jésus de Nazareth fut condamné à mort par le préfet romain Ponce Pilate, puis exécuté par le supplice de la croix. Pilate fit inscrire sur la croix l’acronyme INRI : Iesus Nazarenus Rex Iudaeorum (Jésus le Nazaréen roi des Juifs).

Simone Martini. L'Archange Gabriel (v. 1335). Tempera sur bois, (23,5 x 14,5 cm), Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anvers. Gabriel est le messager de Dieu pour les chrétiens et les musulmans.

Simone Martini. La Déposition de Croix (v. 1335). Tempera sur bois, 24,5 × 15,5 cm, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anvers. Après la crucifixion de Jésus-Christ, son corps est descendu de la croix par Joseph d'Arimathie et Nicodème (descente de croix) puis déposé (déposition du Christ) pour être remis à sa mère Marie.

Simone Martini. La Vierge de l'Annonciation (v. 1335). Tempera sur bois, (23,5 x 14,5 cm), Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anvers. L’Annonciation est un épisode de la tradition chrétienne au cours duquel l’archange Gabriel annonce à la Vierge Marie la naissance prochaine du Christ (maternité divine de la Vierge selon le dogme chrétien). La scène est parfois représentée avec les deux figures (l’archange et Marie), parfois avec Marie seulement afin d’étudier à cet instant la réaction de la Vierge.

Simone Martini. La Vierge de l'Annonciation, détail (v. 1335). L'humanisation du visage de la Vierge est particulièrement frappant. Celle-ci est saisie d'étonnement et sans doute un peu effrayée car l'archange Gabriel apparaît et lui annonce la naissance prochaine du Christ.

Simone Martini. La Mise au tombeau du Christ (v. 1335). Tempera sur bois, (23,7 x 16,7 cm), Gemäldegalerie, Berlin. 
« Ce petit panneau faisait autrefois partie d'un reliquaire composé de quatre panneaux de bois peints sur les deux faces. Les faces intérieures montrent des scènes de la Passion du Christ, les faces extérieures une scène d'Annonciation ainsi que l'écusson du commanditaire de la famille Orsini. Les autres panneaux se trouvent au Musée royal des Beaux-arts d'Anvers et au Louvre à Paris […]
Après la mort de Jésus-Christ sur la Croix, son corps est mis au tombeau, laissant ses proches dans une grande détresse. Un grand nombre de personnes de l'assistance ressentent le besoin de toucher une dernière fois le corps du Sauveur de l'humanité, comme s'il était déjà devenu une relique. On reconnaît les saints présents à leurs auréoles d'or : la Vierge Marie, mère de Jésus, tient le corps de son fils dans ses bras. Son visage mort est pressé contre le sien. À droite, Nicodème et Joseph d'Arimathie versent de l'huile provenant d'un vase blanc sur le corps du Christ ; plus à droite, saint Jean cache ses larmes avec son manteau rouge. Marie-Madeleine, avec sa robe rouge et ses longs cheveux, pousse un cri de désespoir, tandis que les nombreuses femmes se trouvant à ses côtés sont encore plus affectées, levant les bras ou se tirant les cheveux […]
L'atmosphère surréaliste de ce tableau est en partie due à son arrière-plan, représentant un paysage avec quatre arbres et un ciel couchant. L'analyse technique a démontré que cette partie a été peinte sur le fond original d'or. On ne sait pas quand cet ajout a été fait, peut-être au milieu du XV^e siècle, ce qui montrerait à quel point les peintures de Simone Martini étaient appréciées même longtemps après la mort de l'artiste. » (Commentaire Gemäldegalerie)

Simone Martini. Vierge à l’Enfant (1308-10). Tempera sur bois, 88 × 57 cm, Pinacoteca Nazionale, Sienne. Ce tableau est considéré comme le plus ancien actuellement connu de l’artiste. Il faisait partie d’un polyptyque. Martini s’inspire de Duccio en humanisant légèrement le personnage.

Simone Martini. Retable de saint Louis de Toulouse (v. 1317). Tempera sur bois, 200 × 188 cm (sans prédelle), Museo di Capodimonte, Naples. Ce retable a été commandé par Robert d’Anjou (1277-1343), souverain du royaume de Naples, en l’honneur de son frère Louis (1274-1297), qui avait abdiqué pour entrer dans les ordres et devenir évêque. Il avait acquis une réputation de sainteté et fut canonisé en 1317 par bulle papale. Louis est assis sur un trône en tenue d’évêque et Robert est agenouillé à ses côtés. Conformément à la tradition du Moyen Âge, l’humain ordinaire est d’une taille beaucoup plus petite que le saint. Un travail d’orfèvrerie (aujourd’hui disparu) avait été réalisé par l’ajout de pierres semi-précieuses à certains endroits de la composition, par exemple la mitre de l’évêque. La prédelle comporte cinq tableaux de scènes de la vie du saint.

Simone Martini. Triptyque de Sant'Agostino Novello, détail (1324). Tempera sur bois, 65 × 67 cm, Pinacoteca Nazionale, Sienne. Saint Agostino Novello (1240-1309) est un militaire devenu moine puis prieur général de l'ordre des Augustins. Des miracles lui furent attribués après sa mort. Le Triptyque de Sant'Agostino évoque ces miracles en quatre scènes. Sur celle-ci, saint Agostino sauve un enfant tombé du balcon en surgissant in extremis. En faisant abstraction de l'aspect religieux (essentiel à l'époque), on pourrait y voir une scène de genre dans l'environnement urbain du 14^e siècle. L'innovation picturale provient de ce côté volontairement narratif et proche de la population : il s'agit pour l'Église de se faire comprendre du peuple.

Simone Martini. Saint Pierre (1326). Tempera sur bois, 58 × 38,5 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. « Saint Pierre est représenté, comme l’exige une tradition iconographique qui n’admet aucune exception, avec l’apparence d’un vieillard. Il tient d’une main les deux clefs, l’une d’or et l’autre d’argent, avec lesquelles le prince des apôtres ouvre et ferme les portes du paradis. La position de la figure et les dimensions du panneau, dont le format n’a pas changé au fil du temps, montrent que l’œuvre faisait à l’origine partie d’un ensemble composé d’autres éléments […]
Malgré l’état de conservation insatisfaisant du fond d’or et de l’auréole (le motif d’arcs segmentaires qui court le long des bords du panneau est intact), la figure de saint Pierre révèle la personnalité incomparable de Simone Martini, qui combine dans cette composition un motif inspiré de la sculpture classique – la posture du bras droit du saint – et une innovation d’une extraordinaire modernité telle que le livre posé sur le bord du cadre, ce qui donne une impression de profondeur. Une gamme chromatique similaire peut être trouvée dans le polyptyque incomplet du Museo dell’Opera del Duomo d’Orvieto, qui comprend une image de saint Pierre similaire à celle-ci. » (Commentaire Museo Nacional Thyssen-Bornemisza)

Simone Martini. Guidoriccio da Fogliano (v. 1328). Fresque, 340 × 968 cm, Palazzo Pubblico, Sala del Mappamondo, Sienne. A droite de la fresque figure la cité de Montemassi, au sommet d'une colline. Guidoriccio da Fogliano apparaît sur son cheval au premier plan. A sa droite, l'édifice surmonté du drapeau de la République siennoise est une fortification construite spécialement pour le siège. A l'extrême-droite, autour de la colline, le camp des assiégeants est schématisé. Ce paysage, célébration politique d'une victoire militaire, reste d'un chromatisme austère : nuances d'ocre des édifices et des collines sur fond bleu profond du ciel. L'inspiration vient clairement de Giotto.

Simone Martini et Lippo Memmi. Annonciation avec sainte Maxime et saint Ansan (1333). Tempera sur bois, fond doré, 305 × 265 cm, Galerie des Offices, Florence. « Le tableau signé et daté a été achevé pour l’autel de Saint-Ansan dans le transept de la cathédrale de Sienne, dédié à l’Assomption de la Vierge Marie. L’archange Gabriel apparaît à la Vierge Marie pour lui annoncer la naissance prochaine de Jésus et la salue avec les mots indiqués sur l’inscription en relief sur fond d’or : « AVE GRATIA PLENA DOMINUS TECUM » (*). L’apparition de l’ange est soudaine, comme le suggèrent la cape flottante et les ailes déployées. Marie est bouleversée, recule et s’enveloppe dans son manteau. L’environnement de la scène n’est pas défini, mais les quelques éléments qui y sont représentés – le sol en marbre, le trône richement gravé, les tissus précieux, le livre que Marie lisait avant l’apparition céleste – évoquent le mode de vie des classes les plus aisées au XIVe siècle.

Au-dessus, au centre de la scène, l’Esprit Saint est représenté sous la forme d’une colombe entourée d’anges, dans l’alignement du vase de lys, symbole du Fils de Dieu et de la pureté de la Vierge Marie. Les rouleaux tenus par les prophètes représentés dans le tondo inséré dans le cadre font allusion au mystère de l’incarnation : de gauche à droite, Jérémie, Ezéchiel, Isaïe et Daniel.
Les figures placées de part et d’autre de l’Annonciation représentent le martyr Ansanus, l’un des saints patrons de Sienne, portant la bannière aux couleurs de la ville, et une sainte martyre, peut-être Maxima, la mère d’Ansanus, ou Marguerite ; l’inscription à ses pieds, qui l’identifie comme Judith, est incorrecte.
L’inscription indiquant les deux peintres siennois Simone Martini et Lippo Memmi comme créateurs du retable est originale, bien que les critiques d’art aient tendance à attribuer à Simone la majeure partie de la conception et de l’exécution de ce tableau aux multiples détails. Cette œuvre constitue l’un des plus grands chefs-d’œuvre de la peinture du XIVe siècle en Europe. Amie du poète Francesco Pétrarque et mandatée par d’illustres clients tels que la Maison d’Anjou et la Papauté d’Avignon, Simone partagea un atelier avec Lippo Memmi et les deux devinrent beaux-frères lorsque Simone épousa la sœur de Memmi. » (Commentaire Daniela Parenti pour la Galerie des Offices)

Analyse détaillée

(*) Je vous salue Marie, pleine de grâce, le seigneur est avec vous.

Simone Martini. Le Christ retrouvé par ses parents (1342). Tempera sur bois, 49,5 × 35 cm, Walker Art Gallery, Liverpool. « Encore enfant, le Christ abandonne ses parents lors d'une visite au Temple de Jérusalem et reste sur place pour enseigner parmi les érudits. Les mots de sa mère lorsqu'elle le retrouve sont écrits en latin sur le livre qu'elle tient : "Mon fils, pourquoi nous as-tu traités de la sorte ? "
Le tableau est signé et daté en latin sur le bord inférieur du cadre : Simone de Sienne m'a peint en l'an de grâce 1342.
Simone comptait parmi les plus grands artistes de l'Italie du XIVe siècle. Cette œuvre a cependant été peinte à Avignon, en France, où la cour papale était en exil de Rome. Ce tableau somptueux a vraisemblablement été commandé pour une dévotion privée par un mécène de haut rang, peut-être le pape lui-même.
Les couleurs somptueuses, l'utilisation d’ornements dorés et les gestes gracieux des personnages sont caractéristiques de l'art gothique français et italien. Le talent de Simone lui permet de conjuguer ces qualités décoratives avec le contenu émotionnel de la scène, transmis par le geste, la pose et l'expression du visage. » (Commentaire Walker Art Gallery)