Andrew Wyeth

Andrew Wyeth. Chasseur de foulques (1933). Aquarelle sur papier vélin, 49 × 75,5 cm, Art Institute Chicago. L’influence impressionniste reste forte sur le jeune artiste de seize ans. Wyeth capte les effets de lumière et le mouvement du chasseur tenant dans sa main droite son fusil et dans sa main gauche une foulque qu’il vient de capturer. La foulque est un oiseau de teinte gris-noir, vivant en zone humide et mesurant entre 30 et 40 cm.

Andrew Wyeth. Vallée de Brandywine (1940). Aquarelle sur papier vélin, 55,6 × 76,3 cm, National Gallery of Art, Washington. La vallée de Brandywine, à proximité de Philadelphie, est une région verdoyante que l’artiste choisit de peindre en hiver et sous la neige. Dominent donc les blancs, les gris et les marrons, avec un arbre central très sombre. Wyeth reste encore influencé à cette époque par l’impressionnisme et les courants du début du 20^e siècle européen, mais il recherche une palette réduite, qu’il définira quelques années plus tard.

Andrew Wyeth. Vente publique (1943). Tempera sur panneau de fibres de bois, 56 × 122 cm, Philadelphia Museum of Art. Considérée comme l’une des premières peintures de l’artiste à la tempera, cette composition représente deux hommes et une voiture dans un champ. Un chemin boueux partant du premier plan permet d’accéder à une ferme. Une foule semble attendre à proximité de la ferme. Il s’agit de la vente aux enchères d’une exploitation agricole après la mort de la femme du fermier. Ce thème social, rare dans l’œuvre de Wyeth, est en lien avec l’évolution économique américaine et la disparition progressive des petites exploitations familiales

Andrew Wyeth. Winter (1946). Tempera sur panneau de fibres de bois, 80 × 122, cm, North Carolina Museum of Art. Promenade hivernale dans la campagne vallonée américaine. Le peintre s’attache à restituer la réalité par la tenue adaptée du promeneur et le soin apporté au rendu de l’herbe rase, que l’on a l’impression de pouvoir toucher. La composition réserve presque toute la surface du panneau à la colline en réduisant le ciel à une bande grise. Wyeth est un peintre de la terre, de sa texture, de ses nuances.

Andrew Wyeth. Dodges Ridge (1947). Tempera sur panneau de fibres de bois, 104,5 × 122,3 cm, Smithsonian American Art Museum, Washington. Cette composition évoquant la terre et la mer par vent violent est inspirée par les paysages du Maine, dans l’extrême nord-est des États-Unis, où le couple Wyeth séjournait longuement. L’homme, confronté à la puissance des éléments, ne peut trouver refuge que dans la spiritualité, représentée par le piquet de bois en forme de croix.

Andrew Wyeth. Christina Olson (1947). Tempera sur bois, 84 × 63 cm, collection particulière. Premier portrait de Christina Olson (1893-1968) sur le seuil de sa maison de Cushing dans le Maine. Wyeth réalisera l’année suivante le tableau Christina’s World (Le monde de Christina), mondialement célèbre et qui placera définitivement l’artiste au rang des plus grands peintres du 20^e siècle.

Andrew Wyeth. Vent de la mer (1947). Tempera sur bois, 47 × 70 cm, National Gallery of Art, Washington. « Vent de la mer, peint un an avant Le monde de Christina, saisit un instant d’une chaude journée d’été où Wyeth a ouvert la fenêtre rarement utilisée d’une pièce mansardée […] La vue rapprochée et le cadre de la fenêtre, coupé au bord de la peinture, créent pour le spectateur l’illusion de regarder réellement par une fenêtre. » (Commentaire National Gallery of Art)

Andrew Wyeth. Le monde de Christina (1948). Tempera sur panneau de fibres de bois, 81,9 × 121,3 cm, Museum of Modern Art, New York. Anna Christina Olson (1893-1968), la figure du tableau, est une amie de l’artiste et de son épouse Betsy. Depuis l’enfance, une maladie avait empêché Christina de marcher correctement. Christina rampant vers la maison qu’elle veut atteindre symbolise l’aventure humaine, l’homme qui cherche douloureusement un peu de quiétude. Wyeth a simplement placé la scène dans le paysage de Cushing, petite bourgade du Maine, dans le nord-est des États-Unis. Il a même respecté la configuration de la maison des Olson, aujourd’hui rachetée par le Farnsworth Art Museum et qui peut être visitée.
En plaçant le personnage regardant vers la maison et rampant sur l’herbe au tout premier plan, Wyeth permet à l’observateur du tableau de s’identifier immédiatement à Christina. Tout au moins, il suscite le désir de lui venir en aide. Cette approche empathique rejoint l’idée plus générale, précédemment évoquée, d’une lecture allégorique, Christina représentant l’être humain confronté à son milieu. Le succès phénoménal du tableau n’a pas d’autre explication que cette portée universelle.

Analyse détaillée

Andrew Wyeth. Jour sans fin (1959). Tempera sur panneau de fibres de bois, 80 × 82 cm, Philadelphia Museum of Art. Titre original : Groundhog Day. « Andrew Wyeth partage l'approche réaliste de nombreux peintres américains du milieu du XXe siècle, bien que son processus de simplification et de synthèse conduise souvent à des effets obsédants et surréalistes. Son tableau représentant la cuisine lumineuse de son voisin Karl Kuerner semble manquer de quelque chose. Wyeth a expliqué que le tableau représentait "la lumière de l'hiver, les plats prêts pour le déjeuner de Karl Kuerner – c'est-à-dire la paix, oui, mais pour moi, derrière cela, il y a la violence réprimée".
La bûche éclatée à l'extérieur de la fenêtre et le couteau sur la table établissent le lien, dans l'esprit de l'artiste, avec l'expérience de Kuerner en temps de guerre, son chien violent et son autorité sur toute sa ferme. Wyeth a déclaré : "Je voulais atteindre jusqu'à l'essence même de l'homme qui n'était pas là" ». « Commentaire Philadelphia Museum of Art)

Andrew Wyeth. Pommes à cidre (v. 1962)
Aquarelle sur papier, 66 × 77 cm, Los Angeles County Museum of Art.

Andrew Wyeth. Début de printemps (v. 1963)
Aquarelle sur papier, 76 × 55 cm, Los Angeles County Museum of Art.

« A la fin des années 1950, Wyeth commence à peindre des aquarelles du verger familial planté par son père et entretenu par sa sœur. Dans ces peintures, il combine souvent les techniques de l'aquarelle fluide et du pinceau sec pour utiliser efficacement le médium. Ces peintures de la maturité diffèrent donc de ses premières aquarelles dans lesquelles, dans la tradition d'Homère, Wyeth appliquait la peinture par touches audacieuses et vigoureuses, en utilisant souvent le fondu. Le pinceau sec lui permet de suggérer la texture, comme l'écorce rugueuse de l'arbre dans Pommes à cidre, et de délimiter les détails, comme l'herbe soufflée par le vent dans Début de printemps. Cependant, Wyeth n'a jamais abandonné le pinceau fluide dans aucune de ses peintures. Certaines de ses études d'arbres contiennent des détails de genre qui introduisent des éléments narratifs dans la scène, mais la plupart sont de la peinture pure. Ainsi, malgré la réputation de réaliste de Wyeth, ces aquarelles révèlent l’orientation abstraite qui se cache derrière certains détails spécifiques. Wyeth se concentre généralement sur un seul arbre et sur une partie seulement de la structure de son tronc et de ses branches. La configuration en Y de l'arbre dans Pommes à cidre apparaît dans plusieurs autres peintures, la plus célèbre étant Frosted Apples, 1967 (M. H. de Young Memorial Museum, San Francisco). L'irrégularité des branches d'un arbre est soulignée dans Début de printemps et d'autres études, telles que Fungus, 1959 (collection privée), par la disposition des branches sur un fond clair. Début de printemps ne représente pas tant le tronc et les branches d'un arbre qu'une forme angulaire abstraite. Bien que l'approche réaliste de Wyeth révèle un tempérament presque froid et analytique, un sentiment de mystère imprègne toujours ses aquarelles. Wyeth permet au spectateur d'entrevoir son univers intérieur, mais ne nous permet pas de comprendre sa personnalité énigmatique. » (Commentaire Los Angeles County Museum of Art)

Andrew Wyeth. Loin de Needham (1966). Tempera sur panneau de fibres de bois, 111,8 × 104,8 cm, collection particulière. Ce rocher de granit se trouvait à proximité de la maison des Wyeth, à Cushing, dans le Maine. Ce rocher évoquait pour l’artiste un endroit proche d’une maison de son enfance à Needham, dans le Massachusetts, et représentait en quelque sorte son père (le rocher, le socle de la famille), auquel il vouait une grande admiration.

Andrew Wyeth. End of Olsons (1969). Tempera sur bois, 46 × 49 cm, The Cleveland Museum of Art. Peu après le décès de Christina Olson et de son frère Alvaro, Wyeth peint la maison inhabitée de Cushing avec sur le faîte du toit un couple d’hirondelles s’apprêtant à la migration hivernale.

Andrew Wyeth. Ma jeune amie (1970). Tempera sur panneau de fibres de bois, 81,3 × 63,5 cm, musée Thyssen-Bornemisza, Madrid. « Le réalisme minutieux du peintre Andrew Wyeth a fait de lui l'un des artistes américains les plus célèbres. Le présent portrait, réalisé en 1970 et intitulé My Young Friend, représente une jeune fille placée légèrement à gauche de la composition sur un fond plat, vêtue d'un épais pull en laine torsadée et d'un bonnet en fourrure de raton laveur. Il s'agit de Sissy Spruance, une jeune fille de vingt ans qui travaillait dans les écuries d’un ranch proche de la maison du peintre à Brandywine, en Pennsylvanie. Selon Wyeth, la jeune fille avait attiré son attention lors d'une promenade à cheval : "Un jour, je l'ai vue monter à cru dans la prairie, ses cheveux tressés volant et ses deux longues mèches tombant sur son visage. Elle portait ce chapeau en peau de raton laveur que je n'ai jamais vu porter par une autre fille, comme si elle était un animal et non un être humain".
Le portrait est peint dans des tons clairs et terreux – la gamme de couleurs préférée de l'artiste – en utilisant le médium traditionnel de la détrempe sur un panneau d’isorel. Wyeth a commencé à expérimenter ce procédé dans les années 1930, mais c'est à partir du début des années 1970 qu'il a atteint une maîtrise inégalée. De l'aveu même de l'artiste, "la détrempe, c'est, dans un sens, comme construire, vraiment construire, par grandes couches, comme la terre elle-même a été construite". En appliquant la peinture en fines couches successives, il atteint une telle précision dans le rendu des détails et des textures qu'il parvient à créer une atmosphère réaliste et un sentiment d'intemporalité qui confèrent à son réalisme si particulier un caractère magique et mystérieux. » (Commentaire musée Thyssen-Bornemisza)

Andrew Wyeth. Day Dream (1980). Tempera sur panneau de fibres de bois, 48 × 69 cm, collection particulière. « Avec un mélange original de simplicité et de détails complexes, Andrew Wyeth est surtout connu pour transformer le quotidien en visions intemporelles d’une beauté poignante. Dans son magistral Day Dream, Wyeth transforme l’archétype du nu féminin en une étude artistique de la lumière et de l’atmosphère, ainsi qu’en une analyse psychologique de l’intimité secrète. Représentant le modèle le plus célèbre de l’artiste, Helga Testorf, Day Dream équilibre une simple palette monochrome et de minutieuses touches de tempera pour éterniser l’une des relations les plus fructueuses de sa carrière en tant qu’image durable de la beauté éthérée. » (Commentaire Chistie’s)

Andrew Wyeth. Lovers (1981). Tempera sur panneau de fibres de bois, collection particulière. Entre 1971 et 1985, Andrew Wyeth a réalisé entre 200 et 300 tableaux d’Helga Testorf, une voisine de l’artiste à Chadds Ford, en Pennsylvanie. Ces œuvres n’ont été connues du public que tardivement car Wyeth les créait sans en informer son épouse Betsy. Il avouera par la suite : « Je dois avoir un contact personnel avec mes modèles […] Je dois devenir amoureux. » Lovers (Amants) utilise le clair-obscur très appuyé des peintres baroques pour mettre en valeur le corps d’Helga. Un travail minutieux est réalisé sur la chevelure, rappelant la précision figurative des coiffures complexes qu’affectionnaient les peintres de la Renaissance, par exemple Botticelli (Portrait d'une jeune femme, 1480-85). Mais l’ordre parfait des anciens, à caractère idéalisant, est remplacé par un certain désordre de la chevelure cherchant à restituer notre imparfaite réalité.