Pierre Puvis de Chavannes

Pierre Puvis de Chavannes. Cidre (v. 1864). Huile sur papier marouflée sur toile, 130 × 252 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « Les hommes sont occupés à moudre le grain tandis que les citoyens de tous âges préparent le cidre, l'une des boissons traditionnelles de la province de Picardie, dans le nord de la France. Ce tableau et La Rivière [ci-après] sont des études pour les côtés gauche et droit de la peinture murale de Puvis Ave Picardia Nutrix. Réalisées pour le tout nouveau musée de Picardie à Amiens en 1864, ces œuvres célèbrent les abondantes ressources naturelles de la région et son passé lointain, idéalisé. Les décorations de Puvis pour le musée ont lancé sa carrière en tant que peintre majeur de décors muraux pour les bâtiments de l'État français. » (Commentaire MET)

Pierre Puvis de Chavannes. La rivière (v. 1864). Huile sur papier marouflée sur toile, 130 × 252 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « Dans ce tableau, comme dans Cidre, Puvis affirme sa conception d’une peinture murale célébrant la province française de Picardie. Les hommes construisent un pont sur la Somme tandis que les femmes se baignent et réparent les filets de pêche. Leurs draperies mettent des accents de couleur vive sur les teintes douces du paysage. Les versions finales de Cidre et La Rivière font partie d’un cycle décorant le Musée de Picardie à Amiens. » (Commentaire MET)

Pierre Puvis de Chavannes. Concordia, la Paix (1867). Huile sur toile, 109 × 149 cm, Philadelphia Museum of Art. « Ce tableau évoque les bienfaits sociaux de la paix, représentés dans un paysage idyllique, où des figures antiques se reposent ou se livrent à des tâches agréables, traire des chèvres ou ramasser des fruits. L'allégorie de l’abondance est tirée des descriptions de la quatrième églogue de Virgile portant sur un âge d'or, un avenir harmonieux où " sans y être invitées, les chèvres ramèneront au foyer leurs mamelles gonflées de lait ". Ce tableau est une version réduite d'une composition beaucoup plus grande extraite du premier projet de peinture murale publique de Puvis, qui comprenait quatre allégories de la condition humaine, dont la guerre, le travail et le repos, acquise par le gouvernement français pour décorer le musée de Napoléon à Amiens, en France. » (Commentaire Google Arts & Culture)

Pierre Puvis de Chavannes. Bellum, la Guerre (1867). Huile sur toile, 109 × 149 cm, Philadelphia Museum of Art. « Ce tableau fait partie d'une série de quatre, chacun représentant un aspect de la condition humaine : la paix, la guerre, le travail et le repos. Ici, l'état de guerre apparaît dans un paysage sombre et stérile où des gens appauvris et affamés pleurent leurs morts, levant leurs yeux tristes vers le ciel.
Cette œuvre est une version réduite d'une peinture allégorique que Puvis a exécutée en 1861 pour l'escalier monumental du musée de Picardie à Amiens, France. » (Commentaire Google Arts & Culture)

Pierre Puvis de Chavannes. Vue sur le château de Versailles et l'Orangerie (1871). Huile sur toile, 33 × 46 cm, musée d’Orsay, Paris. « Violemment hostile à la Commune de Paris, Puvis de Chavannes se réfugie à Versailles au cours du printemps 1871. Il y réalise son premier paysage pur, cette Vue sur le château de Versailles et l'Orangerie.
Un carnet de dessin, conservé par la Galerie nationale du Canada à Ottawa, montre que l'artiste aurait dans un premier temps souhaité composer une peinture d'histoire en y intégrant hommes et chevaux. Seules les tentes des soldats du gouvernement provisoire qui stationnent dans les jardins du château seront finalement conservées, ce qui donne à voir un paysage énigmatique, figé dans une immobilité minérale.
Ce tableau paisible est traité dans les teintes douces habituelles à l'artiste. Il est exempt de toute dimension dramatique ou allégorique, contrairement à deux autres œuvres pourtant contemporaines : Le pigeon et Le ballon, sombres évocations du siège de Paris par les prussiens durant l'hiver 1870-1871, également au musée d'Orsay. Tout porte à croire que Puvis de Chavannes a voulu se détacher un moment des hommes et des faits pour, comme il l'écrit à Berthe Morisot, " prend[re] un véritable bain de grandeur dans cet admirable et grandiose ensemble, dont la vue apaise en vous parlant d'une belle et noble France, et [où] on peut oublier un instant combien elle est aujourd'hui fourbe et empoisonnée". » (Commentaire musée d’Orsay)

Pierre Puvis de Chavannes. L’Espérance (1871-72). Huile sur toile, 71 × 82 cm, musée d’Orsay, Paris. « Pierre Puvis de Chavannes, fortement marqué par la guerre franco-prussienne, réalise plusieurs œuvres relatives à ces événements. Il expose notamment au Salon de 1872 une Espérance conservée aujourd'hui à la Walters Art Gallery de Baltimore. Le musée d'Orsay en possède une version réduite, réalisée également entre 1871 et 1872.
Le peintre représente l'Espérance sous les traits d'une jeune fille nue, assise sur un tertre recouvert d'une draperie blanche. Elle se détache sur un paysage de désolation où l'architecture en ruine et les croix de fortune des cimetières improvisés évoquent le conflit. Cependant, plusieurs éléments du tableau indiquent qu'une ère nouvelle, pleine de promesse, est là. Le brin d'olivier que tient la jeune fille symbolise la paix retrouvée tandis que la clarté que l'on devine derrière les collines évoque l'aube d'un jour nouveau. Les fleurs qui poussent au travers des cailloux du tertre témoignent également de cette renaissance. L'absence de tout détail historique donne à la peinture valeur de symbole universel.
La composition simplifiée de l'œuvre, l'utilisation de couleurs mates et l'absence de modelé sont caractéristiques de la manière de Puvis de Chavannes. Paul Gauguin, qui fut un grand admirateur du peintre, avait une reproduction de cette peinture à Tahiti, qu'il représente par ailleurs, en 1901, dans sa Nature morte à l'Espérance. » (Commentaire musée d’Orsay)

Pierre Puvis de Chavannes. L’Espérance (1872). Huile sur toile, 103 × 130 cm, Walters Art Museum, Baltimore. « Après la catastrophique guerre franco-prussienne de 1870-71, l’artiste peint ce tableau d’une jeune femme assise dans un paysage dévasté tenant une brindille de chêne comme symbole d’espoir pour le retour à la paix et à la prospérité. Ce tableau a été exposé au Salon de Paris de 1872. Une variante plus petite, montrant le sujet nu, se trouve au musée d’Orsay, à Paris. Puvis de Chavannes fut l’un des artistes les plus originaux de sa génération. Ses visions allégoriques, dans lesquelles les figures semblent flotter dans un paysage onirique, ont servi de point de départ à de nombreux artistes plus jeunes, tels que Paul Gauguin (1848-1903) et Henri Matisse (1869-1954). » (Commentaire Walters Art Museum)

Pierre Puvis de Chavannes. L’été (1873). Huile sur toile, 350 × 507 cm, musée d’Orsay, Paris. Cette allégorie de l’été fut présentée au Salon de 1873. D’un point de vue thématique, le peintre renoue avec le classicisme, qui pouvait évoquer les saisons de façon allégorique, mais dans un contexte religieux. Nicolas Poussin y réussit brillamment (Les quatre saisons, l'été, 1660-64). Puvis de Chavannes abandonne la religion pour retrouver le paysage idéalisé antique où hommes, femmes et enfants apparaissent dans une parfaite harmonie avec le milieu naturel. Le paysage schématisé et la perspective aplatie permettent au peintre de mettre en valeur la gestuelle des personnages et d’insister sur leur sérénité et les liens d’affection qui les unissent. Ce rejet des conventions académiques ne sera pas compris dans un premier temps.

Pierre Puvis de Chavannes. Jeunes Filles au bord de la mer (1879). Huile sur toile, 62 × 47 cm, musée d’Orsay, Paris. « L'esthétique et la manière d'aborder le sujet dans Jeunes filles au bord de la mer n'appartiennent ni à l’académisme, ni à l'impressionnisme. La simplicité de la composition, le dessin schématique des silhouettes, le petit nombre de couleurs, le relief rare, le manque de profondeur, l'aspect mat de la surface, la simplification générale et la neutralité du sujet inspiré de l'Antiquité avec le motif inattendu de la figure montrée de dos témoignent d'une vision poétique tout à fait originale. Cette approche a profondément marqué les contemporains et les générations suivantes jusqu'à Matisse et Picasso qui s'en sont directement inspirés. » (Commentaire Google Arts & Culture)

Pierre Puvis de Chavannes. Le pauvre pêcheur (1881). Huile sur toile, 155 × 193 cm, musée d’Orsay, Paris. « Le Pauvre pêcheur est le premier tableau de Puvis de Chavannes à avoir été acheté par l'Etat. Mais l'œuvre, qui suscita de vives réactions lors du Salon de 1881, ne fut acquise qu'en 1887 à l'occasion de sa nouvelle présentation publique chez le marchand Durand-Ruel. Il aura donc fallu 6 ans pour qu'un musée national ose montrer ce tableau radical, si peu réaliste au regard des conventions de l'époque.
Sans trompe-l’œil, Puvis entendait donner une vision complète du dénuement et de la résignation en peignant un père veuf et ses deux enfants dans un paysage désolé. Le choix du pêcheur tient évidemment aux résonances bibliques du thème. En 1881, le caractère synthétique du tableau, son refus du modelé et de la perspective traditionnelle, son camaïeu verdâtre, dressèrent la plupart des critiques contre l'artiste.
L'écrivain Huysmans compara le tableau aux images de missel et aux vieilles fresques sans éclat ni profondeur. En revanche, certains artistes de la génération montante, de Seurat à Gauguin et Maurice Denis, pour ne pas parler de Picasso, devaient s'enthousiasmer pour le dépouillement extrême, poignant de cette image silencieuse. Puvis devenait l'éclaireur de la nouvelle peinture. » (Commentaire musée d’Orsay)

Pierre Puvis de Chavannes. La toilette (1883). Huile sur toile, 75 × 63 cm, musée d’Orsay, Paris. Le thème de la femme à sa toilette est un prétexte pour montrer la nudité féminine depuis la Renaissance. Il s’agissait en général de déesses antiques à cette époque. La fin du 19^e siècle peut éluder le prétexte. Une femme nue aux longs cheveux blonds se fait coiffer par une servante. Les deux femmes ne se parlent pas mais semblent perdues dans leur rêverie. La composition au cadrage rapproché vise à faire participer l’observateur à cette scène d’intimité.

Pierre Puvis de Chavannes. Le Rêve (1883). Huile sur toile, 82 × 102 cm, musée d’Orsay, Paris. « Quand Le Rêve de Pierre Puvis de Chavannes est présenté au Salon des artistes français de 1883, le livret qui accompagne l'exposition précise le sujet représenté : "Il voit dans son sommeil, l'Amour, la Gloire et la Richesse lui apparaître."
Sous un beau clair de lune, un jeune homme, probablement voyageur comme le laisse supposer le baluchon à ses côtés, s'est endormi au pied d'un arbre. Trois jeunes femmes lui apparaissent en rêve, volant dans le ciel étoilé : la première, des roses à la main, évoque l'Amour, la deuxième brandit la couronne de laurier de la Gloire tandis que la dernière répand les pièces de la Fortune. Le paysage est évoqué dans une grande économie de moyens. Les formes des différentes composantes du paysage sont simplifiées à l'extrême et deviennent de grandes zones colorées en aplat.
Puvis de Chavannes utilise une palette réduite, aux tonalités sourdes, que seul le croissant de lune vient éclairer. Le peintre reprend, dans ce tableau de chevalet, le langage plastique des grandes compositions décoratives qui firent sa renommée. Etienne Moreau-Nélaton, grand admirateur de Puvis de Chavannes acquiert Le Rêve en 1899. Suite à la généreuse donation consentie par le collectionneur, le tableau rejoint les collections nationales dès 1906. » (Commentaire musée d’Orsay)

Pierre Puvis de Chavannes. Le Bois sacré cher aux arts et aux muses (1884). Huile sur toile marouflée,  460 × 1040 cm, musée des Beaux-arts de Lyon. « Au début des années 1880, la ville de Lyon confie à Pierre Puvis de Chavannes la décoration de l'escalier monumental nouvellement créé dans l'angle sud-est du musée. Quatre compositions, peintes sur toile dans l'atelier, puis marouflées à leur emplacement définitif, forment l'un des plus beaux ensembles décoratifs réalisés par l'artiste et l'une des œuvres marquantes de la fin du XIXe siècle.
Comme toujours chez Puvis de Chavannes, la signification générale de l'œuvre est mûrement réfléchie. Au centre dans l'atmosphère crépusculaire du Bois Sacré, les neufs muses méditent et s'entretiennent, allongées, assises, debout ou volant dans la sereine lumière du soir. Devant un fragment de portique antique, se tiennent les trois figures de l'Architecture, de la Sculpture et de la Peinture. Le Bois sacré est le lieu intemporel et idéal de l'Art. » (Commentaire MBA de Lyon)

Grand amphithéâtre de la Sorbonne, Paris.

Pierre Puvis de Chavannes. Le Bois sacré (1886-89). Huile sur toile marouflée,  450 × 2560 cm, grand amphithéâtre de la Sorbonne, Paris « Dans la clairière d'un bois sacré, au centre, sur un bloc de marbre, est, assise une figure symbolique de la Sorbonne. A ses côtés, deux Génies porteurs de palmes et de couronnes, hommage aux vivants et aux morts glorieux. Debout, l'Eloquence célébrant les conquêtes de l'esprit humain. Autour d'elle, les figures diverses de la Poésie. Du rocher où le groupe est assemblé, s'écoule la source vivifiante; la Jeunesse s'y abreuve avidement, la Vieillesse aux mains tremblantes y fait remplir sa coupe. A gauche, la Philosophie et l'Histoire ; la Philosophie représentée par la lutte du Spiritualisme et du Matérialisme en face de la Mort ; l'un confessant sa foi dans un élan d'ardente inspiration, l'autre démontrant sa pensée par l'étude de la fleur, image des transformations successives de la matière ; l'Histoire interrogeant les antiques débris du passé exhumé sous ses yeux. A droite la Science, la Mer et la Terre qui lui offrent leurs richesses ; la Botanique avec sa gerbe de plantes ; la Géologie appuyée sur un fossile ; les deux Génies de la Physiologie tenant l'un un flacon, l'autre un scalpel ; la Physique entrouvrant ses voiles devant un essaim de jeunes gens qui se vouent a son culte en lui offrant comme prémices de leurs travaux la flamme de l'électricité ; à l'ombre d'un bosquet, la Géométrie, figurée par un groupe absorbé dans la recherche d'un problème. » (Commentaire Jean-Pierre Dalbéra)

Pierre Puvis de Chavannes. La jeune mère (v. 1887). Huile sur toile, 56 × 47 cm, musée d’Orsay, Paris. « Ce tableau figurait au catalogue de la première exposition monographique des œuvres du peintre qui s'ouvrit en 1887 dans les locaux de la galerie Durand-Ruel sous le titre La jeune mère. On le retrouve ensuite dans la collection Charles Pacquement, puis dans la collection Gould.
Durant ce court périple, il change de titre et s'intitule La Charité.
Il s'agit d'une scène automnale, où la nature se révèle en tons brun doré, qui réunit au premier plan à droite une jeune mère, ses enfants et un chien ; deux arbres sont au centre de la composition et un fleuve au cours tranquille les sépare d'une plaine - plantée de quelques jeunes baliveaux et de deux bâtisses d'inspiration italienne - qui s'élève jusqu'à l'horizon.
Un subtil équilibre s'instaure entre tons chauds et froids, qui s'échelonnent selon quatre bandes horizontales superposées du premier plan à l'infini, de part et d'autre du motif central traité dans une gamme de bruns sombres relevés de touches jaune orangé.
Par un procédé de réutilisation et transposition partielle de motifs fréquent chez Puvis de Chavannes, cette scène intimiste s'inspire d'un détail situé au premier plan et au centre de la grande toile du Salon de 1873 : L'Eté (Paris, musée d'Orsay), y ajoutant cependant l'image du chien et du couffin, recréant ainsi un microcosme en hommage à l'image maternelle au sein d'une nature sereine. » (Commentaire musée d’Orsay)

Pierre Puvis de Chavannes. Ludus pro patria (v. 1883-89). Huile sur toile, 33 × 134 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Ludus pro patria ou Jeux patriotiques. « L’évocation par Puvis de la France antique montre de jeunes athlètes s’entraînant avec des piques, l’arme traditionnelle de la région Picarde, réputée être à l’origine du nom de la province. Un homme a jeté sa lance en l’air et se prépare à l’attraper – un rare moment de spontanéité dans l’œuvre de Puvis. Cette œuvre est une réplique au format réduit d’une peinture murale que le peintre a achevée en 1882 et installée en 1888 au musée de Picardie à Amiens. L’exposition et la vente de telles « réductions » ont contribué à faire connaître les commandes décoratives monumentales de l’artiste et à augmenter ses revenus. » (Commentaire MET)

Pierre Puvis de Chavannes. Le chant du berger (1891). Huile sur toile, 105 × 110 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « Puvis a adapté cette composition d’une peinture murale qu’il a réalisée pour le Musée des Beaux-Arts de Lyon. Le berger jouant de la flûte et les figures drapées rendent hommage à la poésie et à la grâce de l’antiquité classique, que Puvis vénérait comme la quintessence de la beauté. Leurs poses convenues et leur comportement absorbé confèrent à la scène une atmosphère de sérénité onirique. Les couleurs pâles, la modélisation minimale et les détails limités produisent un effet de grande simplicité et de retenue. L'œuvre de Puvis a inspiré de nombreux jeunes artistes avides d'alternatives à l'impressionnisme, dont Paul Gauguin et Georges Seurat. » (Commentaire MET)

Pierre Puvis de Chavannes. L’été (1891-92). Huile sur toile, 190 × 271 cm, Cleveland Museum of Art. « Ce tableau est une réplique plus petite d’une peinture murale sur le même thème peinte pour l’Hôtel de Ville de Paris, où se trouve un pendant intitulé L’hiver. Un écrivain de l’époque décrivait L’été comme " rempli de joie, de bonheur, de repos et d’éloge de la vie ". Georges Seurat, Paul Gauguin et Pablo Picasso étaient parmi les nombreux novateurs influencés par les thèmes oniriques de Puvis de Chavannes et son style antinaturaliste aux formes simplifiées et aplaties. » (Commentaire Cleveland Museum of Art)

Pierre Puvis de Chavannes. Inter artes et naturam (1890-95). Huile sur toile, 40 × 114 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Entre art et nature. « Dans un bosquet surplombant la Seine, des personnages peignent des céramiques et fouillent des fragments architecturaux tandis que, sur la droite, des étudiants en art observent. Cet hommage à l’effort créatif est une copie à petite échelle du panneau central d’un triptyque que Puvis a peint pour le musée des Beaux-Arts de Rouen. Son camarade, le sculpteur Auguste Rodin, a loué la " douce sérénité " de scènes comme celle-ci, " des paysages sublimes dans lesquels la nature sacrée nourrit une humanité aimante, sage, digne et pure " ». (Commentaire MET)