William Hogarth

William Hogarth. Le mariage de Stephen Beckingham et Mary Cox (1729). Huile sur toile, 128 × 103 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « Cette représentation d’un mariage est l’un des premiers essais de l’artiste dans le genre à la mode de la conversation peace, un type de portrait de groupe. Beckingham, un avocat londonien, et son épouse sont flanqués de membres de leur famille. Le cadre est basé sur l’église de St. Martin-in-the-Fields à Trafalgar Square, et non sur l’église où le mariage a eu lieu. Bien que Hogarth ait été admiré pour sa capacité à saisir la réalité, l’événement solennel décrit ici semble avoir eu un attrait limité pour lui par rapport à ses célèbres sujets satiriques. » (Commentaire MET)

William Hogarth. Avant (1730-31). Huile sur toile, 39 × 34 cm, J. Paul Getty Museum, Los Angeles. « Cette peinture satirique décrit une tentative de séduction. Le jeune homme en culotte rouge veut attirer une jeune femme sur un lit. Se débattant, elle tente de le repousser en s’agrippant à sa coiffeuse. Ironiquement, un tiroir ouvert fait apparaître un livre sur les règles de la séduction. Sur le sol, un petit chien aboie, alarmé par l’agitation.
Dans les Anecdotes biographiques de William Hogarth, publiées en 1785, John Nichols indique qu’un certain noble libertin, le duc de Montague, aurait commandé ce tableau et son pendant intitulé Après. Selon une vieille tradition, le protagoniste aurait été Sir John Willes, plus tard juge en chef de la Court of Common Pleas.
De nombreux artistes ont réalisé des gravures, dont certaines scandaleuses, d’après ces peintures. Les gravures de Hogarth d’après ses propres peintures sont les plus fidèles aux originaux. » (Commentaire J. Paul Getty Museum)

William Hogarth. Après (1730-31). Huile sur toile, 39 × 34 cm, J. Paul Getty Museum, Los Angeles. « Dans ce pendant d’Avant, un homme se lève et remonte précipitamment sa culotte après avoir réussi à séduire une jeune femme. Chapeau et vêtements chiffonnés, la femme échevelée implore sa discrétion. La table renversée et le miroir brisé symbolisent la vie brisée de la femme ayant perdu sa virginité. Le chien endormi au premier plan fait référence à la fatigue succédant à l’étreinte. » (Commentaire J. Paul Getty Museum)

William Hogarth. Une scène de The Beggar’s Opera (1731). Huile sur toile, 57 × 76 cm, Tate Britain, Londres. « Il s’agit de l’une des premières peintures réalisées à partir d’une représentation scénique anglaise. Elle représente une scène majeure de The Beggar’s Opera de John Gay, créé au Lincoln’s Inn Theatre en 1728. Ici, le personnage central de l’opéra, un bandit de grand chemin nommé Macheath, condamné de mort, se tient enchaîné entre ses deux maîtresses, la fille du geôlier, Lucy Lockit, et la fille de l’avocat, Polly Peachum. De chaque côté de la scène, Hogarth a placé des spectateurs, notamment à l’extrême droite le duc de Bolton, véritable amant de l’actrice Lavinia Fenton, qui jouait le rôle de Polly Peachum. » (Commentaire Tate Britain)

William Hogarth. La carrière d’une prostituée (1731-32). Gravure à l’eau forte, Royal Trust Collection, Londres. Les six tableaux d’origine de la série A Harlot's Progress (La carrière d’une prostituée) datent de 1731 et ont disparu. Mais une gravure sur cuivre a été réalisée en 1732 afin de diffuser des estampes. Cette série narrative conte les malheurs de Moll Hackabout, une jeune femme arrivant à Londres et devenant prostituée. Elle mourra de la syphilis quelques années plus tard. La gravure ci-dessus est la première de la série. Moll Hackabout arrive à Londres et est immédiatement prise en charge par une proxénète notoire.

William Hogarth. Le poète dans la détresse (1733-35). Huile sur toile, 64 × 79 cm, Birmingham Museum and Art Gallery. Dans une petite pièce mansardée, un poète est assis à une table près de la fenêtre, cherchant l’inspiration. Sa femme raccommode des vêtements et semble surprise par l’entrée d’une femme réclamant le paiement des dettes du ménage. La scène a été inspirée par le poème satirique d’Alexander Pope (1688-1744) The Dunciad. Le tableau a été diffusé sous forme de gravures dont le premier tirage comportait une citation de l’œuvre de Pope. Hogarth reste encore proche de la scène de genre néerlandaise.

William Hogarth. La carrière d’un libertin. Dans l’asile d’aliénés (1733-35). Huile sur toile, 63 × 75 cm, Sir John Soane's Museum, Londres. La série de huit peintures intitulée A Rake's Progress (La carrière d'un libertin ou d’un roué) met en scène un personnage de fiction, Tom Rakewell, jeune héritier glissant peu à peu dans la débauche et finissant dans un asile d'aliénés. Comme toutes les séries de Hogarth, l’œuvre a été diffusée en gravures.
Le tableau ci-dessus est le dernier de la série. Tom Rakewell est interné à l'asile de Bedlam, quasiment nu et enchainé. Sarah Young, son épouse, agenouillée, essaie de le réconforter. Le couple est entouré de fous que des dames élégantes viennent observer pour se distraire.

William Hogarth. Quatre moments de la journée. Le matin (1736-38). Huile sur toile, 74 × 61 cm, National trust Bearsted Collection, Upton House, Warwickshire.
Four Times of the Day (Quatre moments de la journée) est une série de quatre tableaux  représentant des scènes humoristiques des rues de Londres. Comme les autres séries de Hogarth, celle-ci a été reproduite en gravures afin d’augmenter la diffusion.
La scène ci-dessus, la première, se situe sur le côté ouest de la place de Covent Garden. Tôt le matin des fêtards terminent leur soirée en sortant d’un café avec des prostituées. Une dame se rendant à l’église semble choquée par la scène et manipule son éventail. En arrière-plan, des marchands déposent leurs fruits et légumes pour le marché du jour.

William Hogarth. Quatre moments de la journée. Le midi (1736-38). Huile sur toile, 74 × 61 cm, Ancaster Collection, Grimsthorpe Castle, Lincolnshire. Cette scène se déroule à Hog Lane, une partie du quartier déshérité de Saint-Giles, avec l'église de Saint-Giles-in-the-Fields en arrière-plan, fréquentée par des huguenots (protestants français). A gauche, des huguenots sortent de l’église. Ils s’étaient réfugiés à Londres après la révocation de l’Édit de Nantes par Louis XIV à la fin du 17^e siècle. Hogarth, très francophobe, les caricature à outrance en accentuant la préciosité de la gestuelle et la somptuosité des vêtements. Le  groupe de huguenots contraste fortement avec les figures populaires anglaises placées à droite, un noir caressant même les seins d’une femme.

William Hogarth. Quatre moments de la journée. Le soir (1736-38). Huile sur toile, 74 × 61 cm, Ancaster Collection, Grimsthorpe Castle, Lincolnshire. Hogarth a placé cette scène à la lisière de la ville, ce qui lui permet de disposer d’une perspective profonde avec vue sur les collines. Le peintre inonde son tableau d’une lumière de contre-jour, à la manière de Claude Lorrain, très admiré des anglo-saxons. Mais Hogarth reste dans la caricature de ses contemporains. Une femme enceinte et son mari se rendent dans le quartier à la mode de Sadler's Wells. Il s’agit de les tourner en ridicule car ce sont des artisans voulant paraître. Les mains du mari, tachées de bleu, permettent de le considérer comme un teinturier. Sa femme apparaît massive, autoritaire et prétentieuse.

William Hogarth. Quatre moments de la journée. La nuit (1736-38). Huile sur toile, 74 × 61 cm, National trust Bearsted Collection, Upton House, Warwickshire. La scène nocturne se situe dans le quartier de Charing Cross, identifiable par la statue équestre de Charles I^er, placée à l’arrière-plan. Charing Cross était un relais central pour de nombreuses voitures à cheval, mais les rues étroites occasionnaient des accidents fréquents. Hogarth représente une diligence renversée à cause d’un feu de joie faisant obstacle. Les feux de joie y étaient fréquents en période de fête. A droite, un chirurgien-barbier rase un client en lui tirant sur le nez pour soulever la tête.

William Hogarth. Marriage-A-la-mode : la conclusion du mariage (1743-45). Huile sur toile, 69 × 89 cm, National Gallery, Londres. « Pendant des siècles, les Anglais ont été fascinés par les aventures amoureuses et la cupidité sordide de l’aristocratie. Ce sont les sujets de la série en six parties intitulée Marriage A-la-Mode, qui illustre les conséquences désastreuses du mariage motivé par l’argent et non par l’amour. La narration concerne un mariage arrangé par deux pères égoïstes, un noble dépensier qui a besoin d’argent et un riche marchand de la City de Londres qui veut s’implanter dans l’aristocratie. Il s’agit de la première satire moralisatrice de Hogarth concernant les classes supérieures.
Les six tableaux ont été peints vers 1743 pour être gravés et mis en vente sous forme d’estampes. Les estampes sont des versions non colorées et inversées des peintures. Réalisées en 1745, les gravures étaient destinées à des souscripteurs. Elles se sont immédiatement avérées populaires et ont fourni un large public au travail de Hogarth […]
Scène 1: la conclusion du mariage. Le comte de Squander organise le mariage de son fils avec la fille d’un riche échevin de la ville de Londres. L’échevin, habillé en bourgeois, tient le contrat de mariage, tandis que sa fille écoute un jeune avocat, Silvertongue. Le fils du comte, le vicomte, admire son visage dans un miroir. Deux chiens, enchaînés ensemble dans le coin inférieur gauche, symbolisent peut-être le mariage. » (Commentaire National Gallery)

William Hogarth. Marriage-A-la-mode : le tête-à-tête (1743-45). Huile sur toile, 69 × 89 cm, National Gallery, Londres. « Scène 2 : le tête-à-tête : la maison du jeune couple reflète l’animosité et la disharmonie des deux conjoints. La vicomtesse fatiguée, qui semble avoir donné une fête la veille au soir, apparaît au petit-déjeuner dans la luxueuse maison du couple, totalement en désordre. Le vicomte revient épuisé d’une nuit passée loin de chez lui, probablement dans un lupanar car le chien renifle un chapeau de femme se trouvant dans sa poche. » Commentaire National Gallery)

William Hogarth. The Jones Family Conversation Piece (1730). Huile sur toile, 72 × 92 cm, National Museum Wales, Cardiff. « Cette œuvre a été commandée en 1730 par Robert Jones (1706-42) du château de Fonmon, à Glamorgan. Il se tient à droite, avec ses sœurs Mary et Elizabeth, et son jeune frère Oliver. Sa mère, Mary, veuve, est représentée en bleu foncé, avec son épagneul. Le jeune paysan aux prises avec un singe contraste ironiquement avec le groupe familial somptueusement vêtu. Jones était shérif de Glamorgan en 1729 et se lia d’amitié avec John Wesley. La composition atypique et la touche délicate de Hogarth sont inspirées de Philip Mercier, peintre de la cour de Frédéric, prince de Galles. » (Commentaire National Museum Wales)

William Hogarth. Ashley Cowper, sa femme et sa fille (1731). Huile sur toile, 61 × 53 cm, Tate Britain, Londres. « Ce portrait a probablement été réalisé à l’occasion du mariage de l’ami de Hogarth, Ashley Cowper, avec Dorothy Oakes vers 1730. Leur mariage est signalé par la figure sacerdotale officiant à un autel sur l’urne derrière eux et par l’inscription latine du poète Virgile sur le piédestal. Gallus, un berger d’Arcadie, explique comment il abandonnerait volontiers la chasse avec ses chiens pour rester avec sa bergère bien-aimée. De même, Cowper se détourne de son chien préféré pour aller vers sa nouvelle épouse. L’enfant est probablement la fille aînée du couple, Theodora, ajoutée au tableau à une date ultérieure. » (Commentaire Tate Britain)

William Hogarth. Capitaine Thomas Coram (1740). Huile sur toile, 239 × 148 cm, Foundling Museum, Londres. Ce portrait, un des chefs-d’œuvre de Hogarth, ne provient pas d'une commande, mais d'un don à l’hôpital Foundling, fondé par Thomas Coram. Thomas Coram (1668-1751), capitaine de navire et philanthrope britannique, est connu comme fondateur du Foundling Hospital de Londres, le premier établissement du pays destiné à recueillir, soigner et éduquer les orphelins.

William Hogarth. Miss Mary Edwards (1742). Huile sur toile, 126 × 101 cm, Frick Collection, New York. « Mary Edwards (1705-1743), l'une des femmes les plus riches de son temps, a répudié son mariage avec un mari extravagant, ce qui revenait à déclarer son fils illégitime. Elle était l'amie de Hogarth et sans doute son mécène le plus important au cours de la décennie 1733-1743. Le portrait monumental de Miss Edwards, parée de magnifiques bijoux et vêtue d'une robe rouge éclatante, est un chef-d'œuvre de la série des portraits imposants de Hogarth, comprenant également le célèbre capitaine Coram. Le rouleau de papier, ouvert bien en évidence à côté du modèle, renvoie aux vertus de la liberté et de la propriété, appréciées de la détentrice d'une grande fortune. » (Cité par Google Art & Culture. Source : Art in The Frick Collection : Peintures, Sculpture, Arts décoratifs, New York : Harry N. Abrams, 1996)

William Hogarth. Thomas Herring, archevêque de Cantorbéry (1744-47). Huile sur toile, 102 × 127 cm, Tate Britain, Londres. « Thomas Herring (1693-1757) était un personnage célèbre du XVIIIe siècle, un prêtre politiquement actif. Des postes lucratifs au sein de l’Église lui apportèrent la richesse et il soutint ardemment la dynastie hanovrienne, non seulement dans ses sermons, mais aussi en levant d’importantes sommes d’argent pour le gouvernement pendant la rébellion écossaise de 1745. En remerciement, il fut nommé archevêque de Cantorbéry en 1747. Quand Hogarth a peint ce portrait, il était très conscient de représenter l’un des hommes les plus éminents du pays. Dans cette composition magistrale, Hogarth nous invite délibérément à effectuer une  comparaison avec ses célèbres prédécesseurs Lely et van Dyck. » (Commentaire Tate Britain)

William Hogarth. Six domestiques de Hogarth (v. 1750). Huile sur toile, 63 × 76 cm, Tate Britain, Londres. « Ce portrait de groupe a probablement été exposé dans l’atelier de Hogarth, dans le but de mettre en évidence son talent. Un visiteur entrant dans la maison de Hogarth était accueilli par ses serviteurs. Dans l’atelier, il pouvait ensuite comparer les portraits peints et la personne elle-même. En montrant sa capacité à saisir une ressemblance dans tous les groupes d’âge, l’artiste souhaitait impressionner tous ceux qui envisageaient de commander leur propre portrait. Les portraits de serviteurs sont rares à cette période. Le choix de Hogarth de peindre de cette façon ses serviteurs est unique. » (Commentaire Tate Britain)

William Hogarth. Sealing the Tomb (1755). Huile sur toile, centre 6,7 × 5,8 m, chaque aile 4,22 × 3,7 m, église Saint-Nicolas, Bristol. Ce grand triptyque était destiné à l’église Sainte Mary Redcliffe de Bristol, très ancien édifice gothique, célèbre pour la qualité de son architecture. Il est aujourd’hui exposé dans l’église Saint-Nicolas de Bristol. Son originalité provient du caractère exceptionnel au 18^e siècle de ce type de retable monumental, plus courants aux 15^e et 16^e siècles. Trois thèmes bibliques sont traités dans un style se rapprochant du rococo français, en vogue à cette époque.

William Hogarth. Sealing the Tomb, L’Ascension (1755). Huile sur toile, 6,7 × 5,8 m, église Saint-Nicolas, Bristol. La scène centrale représente l’ascension du Christ après sa résurrection. La composition distingue la partie céleste, avec un Christ montant rejoindre son Père, et la partie terrestre comportant deux éléments narratifs. A gauche, les humains sont sidérés par l’évènement qui vient de se produire. A droite, la scène Noli me Tangere (Ne me touche pas, Ne me retiens pas) met en présence Marie Madeleine agenouillée et le Christ lui demandant de ne pas le retenir car il n’appartient plus à ce monde. Hogarth conjugue donc plusieurs scènes afin de meubler par la narration l’immense espace pictural choisi.

William Hogarth. Sealing the Tomb, Le scellement du sépulcre (1755). Huile sur toile, 4,22 × 3,7 m, église Saint-Nicolas, Bristol. L’Évangile selon Mathieu rapporte cet évènement. Le Christ ayant prédit avant de mourir qu’il ressusciterait dans les trois jours de sa mort, les Pharisiens décident de sceller son tombeau car ils craignent que les disciples du Christ enlèvent son corps pour faire croire à sa résurrection. Hogarth place, debout à côté du sépulcre, Joseph d’Arimathie, un riche notable juif, disciple du Christ, qui a utilisé le tombeau qui lui était réservé pour y poser le corps du Christ enveloppé dans un linceul.

William Hogarth. Sealing the Tomb, Les trois Maries au tombeau (1755). Huile sur toile, 4,22 × 3,7 m, église Saint-Nicolas, Bristol. Selon la tradition chrétienne, trois femmes disciples de Jésus, Marie Madeleine, Marie Salomé et Marie Jacobé, seraient venues au tombeau du Christ le dimanche suivant sa crucifixion pour embaumer son corps