Judith Leyster

Judith Leyster. Le joyeux buveur (1629). Huile sur toile, 88 × 88 cm, Rijksmuseum, Amsterdam.  « Les joues rougies par l'alcool le buveur montre sa cruche vide. Judith Leyster, la seule femme maître peintre de Haarlem, était connue pour ce genre de tableaux. D'un style similaire à celui de son compatriote Frans Hals, ce tableau lui a longtemps été attribué. Le monogramme de Leyster n'a été découvert qu'en 1893, au-dessus du pichet de droite : JL avec une étoile. »

Judith Leyster. Deux enfants et un chat (1629). Huile sur toile, 61 × 52 cm, collection particulière. Judith Leyster se serait inspirée d’un tableau de Frans Hals pour cette composition en diagonale captant remarquablement l’espièglerie de l’enfance.

Judith Leyster. La joyeuse compagnie (1630). Huile sur bois, 68 × 57 cm, musée du Louvre, Paris. « Tableau très influencé par Frans Hals et par Jan Miense Molenaer (dès avant le mariage de Judith Leyster avec ce dernier en 1636), lointainement allusif au thème de la parabole évangélique du Fils prodigue chez les courtisanes (Évangile de saint Luc, XV, 11-32), avec la significative association du vin, de la musique et de l’amour (irrégulier). Une interférence (ironique ?) avec le thème cher à Van Mander de l’artiste menacé par les plaisirs n’est pas à exclure. » (Commentaire musée du Louvre)

Judith Leyster. Enfant tenant des raisins et un chapeau (v. 1630). Huile sur bois, 26 × 22 cm, Currier Museum of Art, Manchester, New Hampshire. La scène est ouverte à l’interprétation de l’observateur. Un enfant espiègle, qui a peut-être dérobé le chapeau et le raisin d’un adulte, est saisi par l’artiste avec toute la spontanéité qui, aujourd’hui, appartiendrait à l’art de la photographie.

Judith Leyster. Le garçon à la flûte (v. 1630). Huile sur toile, 62 × 73 cm, Nationalmuseum, Stockholm. « Malgré le monogramme, cette œuvre était, lors de sa donation au Nationalmuseum en 1871, attribuée à la fois à Frans Hals et à Jan de Bray. Ce n'est qu'en 1893 que Hofstede de Groot l'a identifiée comme une œuvre de Judith Leyster. Le Garçon à la flûte est l'un des tableaux les plus importants et les plus séduisants de l'artiste. Il date probablement du début des années 1630, car il présente encore des traces de l'influence des caravagistes d'Utrecht. La composition est fraîche et très originale. Le sujet combine une scène de genre, une nature morte et un portrait. Plusieurs spécialistes ont discuté de l'iconographie de ce tableau. Hardcastle pense que le garçon tient la flûte dans le mauvais sens et que le tableau est donc inversé. Ce point de vue est réfuté par Hofrichter, qui souligne qu'une simple flûte peut être tenue dans les deux sens. Elle suggère également que la peinture pourrait avoir un sens caché, représentant l'un des cinq sens, à savoir l'ouïe. Franits a remarqué que la juxtaposition d'une flûte et d'un violon n'était peut-être pas purement fortuite. Dans l’univers idéologique de la musique du début des temps modernes, ces instruments étaient considérés comme aux antipodes l’un de l’autre. Les instruments à cordes appartenaient théoriquement à une catégorie plus élevée, associée à l'harmonie pythagoricienne, tandis que les instruments à vent étaient considérés comme moins sophistiqués et étaient souvent représentés entre les mains de paysans ou de bergers. Le regard vers le haut du joueur de flûte se retrouve souvent dans des représentations similaires de musiciens et de saints, et fait allusion à la capacité de la musique à inspirer et animer. Hofrichter relève un certain nombre de détails qui laissent perplexe, comme le fait que le garçon est assis sur une chaise cassée. Si les peintures de genre hollandaises de cette période ont souvent un double sens, une représentation comme celle-ci peut être tout à fait réaliste. » (Commentaire Nationalmuseum)

Judith Leyster. Jeu de tric-trac (v. 1631). Huile sur bois, 41 × 31 cm, Worcester Art Museum, Massachusetts. « Les sujets des tableaux de Leyster sont tirés de la vie quotidienne et constituent le type de tableaux qui étaient demandés lorsque les particuliers ont commencé à remplacer l'Église et l'État en tant que principaux clients des artistes. Le backgammon, ou tric-trac, comme ce jeu était communément appelé, était un passe-temps populaire à l'époque de Leyster. Ici, l'artiste interpelle le spectateur avec la pose théâtrale du personnage de gauche. La joueuse, qui pourrait bien être une courtisane, tient un verre de vin et offre à son partenaire une pipe en terre cuite. Tout comme le tric-trac, boire et fumer étaient considérés comme de l’oisiveté dans la Hollande du XVIIe siècle. La lumière artificielle, qui contribue à attirer notre attention sur ces "vices", met en évidence la relation galante. » (Commentaire Worcester Art Museum)

Judith Leyster. Homme offrant de l'argent à une jeune femme (1631). Huile sur bois, 31 × 24 cm, Mauritshuis, La Haye. Autre titre : La proposition. « À la lumière d'une lampe à huile, une jeune femme est penchée sur ses travaux d’aiguille, les pieds posés sur un repose-pieds. Un homme tente d'attirer son attention avec une poignée de pièces de monnaie. Il veut acheter son amour. Mais la femme ne répond pas à son offre et continue à travailler sans être dérangée. Elle est un modèle de vertu. » (Commentaire Mauritshuis)

Judith Leyster. Le concert (v. 1633). Huile sur toile, 61 × 87 cm, National Museum of Women in the Arts, New York. « Outre les scènes de taverne et les pièces de genre domestiques intimes, Judith Leyster a souvent peint des scènes de concert. Dans Le Concert, Leyster représente avec précision des éléments tels que le violon baroque (fabriqué sans mentonnière et généralement appuyé contre la poitrine), ainsi que le livre de chansons de la femme.
Les personnages représentés ici sont probablement des portraits. En se basant sur des individus similaires dans d'autres tableaux de Leyster, les spécialistes ont provisoirement identifié la chanteuse comme étant l'artiste elle-même, le violoniste comme étant son mari et le joueur de luth comme étant un ami de la famille. Les membres du trio, comme tous les musiciens, doivent travailler ensemble, de concert, ce qui a conduit certains auteurs à interpréter cette scène comme le symbole de l'harmonie.
Leyster plaçait souvent ses sujets sur un fond uni et monochrome. Ainsi, rien ne détourne l'attention des personnages, qui sont tous représentés effectuant diverses actions (jouer de l'archet ou pincer des cordes et battre la mesure). L'angle prononcé de tenue du luth donne de la profondeur à la composition. Les directions variées des regards des musiciens offrent au spectateur différents points de focalisation. » (Commentaire National Museum of Women in the Arts)

Judith Leyster. Un garçon et une fille avec un chat et une anguille (v. 1635). Huile sur bois, 59 × 49 cm, The National Gallery, Londres. « Celui qui joue avec les chats se fait griffer. En d'autres termes, celui qui cherche les ennuis les aura. Il s'agit d'une ancienne devise néerlandaise qui semble être une source possible pour la scène joyeuse de Judith Leyster. Il a été suggéré que la peinture était conçue à la fois comme un divertissement agréable et un avertissement.
Dans certains tableaux hollandais à connotation morale de l'époque, on attendait d'une petite fille qu'elle montre le bon exemple ; ici, c'est un frère plus âgé qui l'égare. Elle a un œil malicieux et les doigts de sa main s'enroulent autour de la queue du chat, prête à la tirer. Leyster a su capter l'expression mi-coupable, mi-honteuse du garçon qui taquine le chat. Il semble tester jusqu'où il peut aller. » (Commentaire The National Gallery)

Judith Leyster. La dernière goutte (1639). Huile sur toile, 89 × 74 cm, Philadelphia Museum of Art. « Le costume que porte le personnage debout, par-dessus ses vêtements, suggère qu'il s'agit de la nuit précédant le début du carême, au cours de laquelle les gens se livraient souvent à des excès afin de se préparer au jeûne et à l'abstinence. Cette peinture spécule sur les conséquences de ces excès. Dans leur état de dissipation, le personnage joyeux et son compagnon ignorent la présence menaçante du squelette, qui porte un sablier sinistre dans une main osseuse et un crâne dans l'autre. » (Commentaire Philadelphia Museum of Art)

Judith Leyster. Nature morte à la corbeille de fruits (1635-40). Huile sur toile, 62 × 68 cm, The Cremer Collection, Amsterdam. L’artiste étudie la lumière en représentant la transparence de l’eau dans le verre et les reflets sur le pichet métallique. Les couleurs complémentaires (jaune et violet/bleu) illuminent la composition.

Judith Leyster. Fleurs dans un vase (1654). Huile sur bois, 70 × 50 cm, collection particulière. Cette nature morte florale est une des dernières peintures connues de Judith Leyster.

Judith Leyster. Jeune garçon de profil (v. 1630). Huile sur bois, diamètre 19 cm, National Gallery of Art, Washington. « Judith Leyster possédait une remarquable capacité à capturer la fraîcheur et la spontanéité des enfants. Dans ce tondo magnifiquement peint, le jeune garçon aux joues rouges et aux lèvres rougies exprime l'innocence de l'enfance. La mèche de cheveux fluide à l'arrière-plan, connue sous l’appellation de mèche d’amour, témoigne de la légèreté de la touche de Leyster, tout comme les touches délicates qui définissent les traits du personnage. La technique de Leyster se caractérise par l'utilisation du dos du pinceau pour gratter de longues mèches de cheveux dans la peinture humide. Le professeur supposé de Leyster, Frans Hals (v. 1585-1666), possédait également une capacité remarquable à peindre des enfants avec une énergie et une spontanéité transmettant une impression de jeunesse vibrante. » (Commentaire National Gallery of Art)

Judith Leyster. Portrait d’une femme inconnue (1635). Huile sur bois, 54 × 41 cm, Frans Hals Museum, Haarlem. « Ce tableau a longtemps été attribué à Frans Hals. Le monogramme de Leyster, JL, est passé inaperçu. » (Commentaire Frans Hals Museum)

Judith Leyster. Portrait d’un jeune homme (v. 1640). Huile sur bois, 17 × 16 cm, Nationalmuseum, Stockholm. « Les femmes artistes professionnelles comme Judith Leyster étaient rares dans les Pays-Bas du XVIIe siècle. En 1633, Leyster est devenue membre de la guilde des peintres de Haarlem, où elle a créé son propre atelier l'année suivante. Bien qu'elle ait été une peintre de premier plan, son œuvre a souvent été attribuée à des artistes masculins, en particulier Frans Hals. C'est également le cas de ce portrait, qui n’a été reconnu comme une œuvre de Leyster que dans les années 1970. » (Commentaire Nationalmuseum)