Jan Brueghel dit de Velours

Antoine Van Dyck. Jan Brueghel (1600-25)
Huile sur toile, 42,4 × 34,9, Alte Pinakothek, Munich.
(Attribution à Van Dick incertaine)

Antoine Van Dyck. Jan Brueghel (1631).
Gravure sur papier, 24 × 15,6 cm,
Icones Principum Virorum (Iconographie),
édition 1645.

Rubens. La famille de Jan Brueghel (1613-15)
Huile sur toile, 125,1 × 95,2 cm,
Courtauld Institute of Art, Londres.

Bouquet (1603). Huile sur bois, 125 × 96 cm, Alte Pinakothek, Munich. Les fleurs de grande taille sont placées au-dessus du bouquet (pivoines en particulier) et une myriade de petites fleurs occupent le bas. Brueghel a même incorporé à son bouquet des fleurs de fraises, de framboises et de mûres.

Bouquet de fleurs avec bijoux, pièces et coquilles (1606). Huile sur cuivre, 65 × 45 cm, Pinacoteca Ambrosiana, Milan. Brueghel laisse toujours au pied du vase quelques fleurs ou objets épars. Cette peinture a été commandée par le cardinal archevêque de Milan Federico Borromeo (1564-1631).

Bouquet dans un vase en terre cuite (1606-07). Huile sur bois, 51 × 40 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienne. Contrairement à Ambrosius Bosschaert (1573-1621), peintre anversois de compositions florales, Brueghel ne place jamais un paysage en arrière-plan. Il préfère l'arrière-plan noir permettant de faire ressortir la luminosité des coloris floraux.

Le Grand Bouquet (1607). Huile sur bois, 98 × 73 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienne. Comme les paysages de la peinture du 17^e siècle, les bouquets allient minutie et recomposition idéalisée. La minutie réside dans la reproduction exacte de chaque fleur, dont on  peut reconnaître la variété précise. Mais le bouquet dans son ensemble ne peut exister. Il serait trop lourd pour tenir dans le récipient et les fleurs dont il se compose ne fleurissent pas simultanément. Le peintre a recomposé un  bouquet jugé idéal à partir d'éléments épars. Pour une excellente analyse : Les yeux d'Argus

Le Grand Bouquet (détail) (1607)

Nature morte avec guirlande de fleurs et coupe dorée (1618). Huile sur bois, 47,5 × 52,5 cm, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles. Extrême élégance de la composition et minutie dans la représentation de chaque détail. Un chef d'œuvre. L'une des originalités du tableau est l'utilisation des diagonales pour renforcer l'effet de profondeur : la guirlande et l'écrin à bijoux sont en position oblique par rapport à la table.

Analyse détaillée

Paysage avec chasseurs (1594-95). Huile sur cuivre, 24 × 36 cm, Musée des Beaux-Arts, Nantes. Ce paysage a été peint au cours du séjour à Rome du peintre vers 1593-95. Brueghel subit sans doute à ce moment l'influence de Paul Bril (1554-1626), peintre anversois de vedute qui s'était établi à Rome vers 1570 et y resta jusqu'à sa mort.

Paysage avec le jeune Tobie (1598). Huile sur cuivre, 36 × 55 cm, Musée Liechtenstein, Vienne. Le livre de Tobie fait partie de l'Ancien Testament. Après de multiples péripéties, le jeune Tobie parvient à guérir la cécité de son père avec du fiel de poisson. L’anecdote biblique n’est qu’un prétexte permettant de créer un paysage qui emprunte encore beaucoup aux paysages-mondes du 16^e siècle par sa profondeur infinie résultant de la perspective atmosphérique (flou et éclaircissement vers les lointains).

Paysage avec le jeune Tobie, détail (1598)

Le grand marché au poisson (1603). Huile sur bois, 59 × 92 cm, Alte Pinakothek, Munich. Comme le précédent, ce paysage est un paysage-monde dont le style avait été initié par Joachim Patinir. Il s'agit de représenter un paysage recomposé par le peintre et s'enfonçant vers l'infini. Ces compositions sont construites autour de trois plans successifs. Au premier plan, une scène avec des personnages pouvant être très nombreux (couleurs variées avec brun ou vert dominant). An second plan, le paysage proprement dit, constitué de la végétation, de constructions, de navires, de cours d'eau ou de lacs (couleurs : dégradés de bleus et gris). Enfin, à l'arrière-plan, l'horizon très lointain (couleurs : bleu-gris de plus en plus clair pour satisfaire au principe de la perspective atmosphérique).

Une fête flamande (1610). Huile sur cuivre, 47,6 × 68,6 cm, Collection Royale, Windsor. Ce tableau est à rapprocher de certaines compositions de Pieter Brueghel l'ancien, le père de Jan, qui aimait particulièrement peindre les scènes villageoises.

Village avec personnages et vaches (1609). Huile sur cuivre, 11 × 17 cm, Residenzgalerie, Salzbourg. Ce petit cuivre est une minutieuse description de la vie quotidienne à la campagne. Le cadre est constitué de quelques maisons isolées à la lisière d'une forêt, le long d'une rivière. Des personnages sont occupés à des tâches diverses : une femme s'occupe de ses enfants, une autre de son potager, d'autres bavardent. Les vaches paissent.

Voyageurs sur le chemin. Huile sur cuivre, 22 × 30 cm, Rockox House, Anvers. Comme le précédent, ce cuivre dépeint les activités courantes des hommes de l'époque. Ces thèmes correspondent à tout un ensemble de tableaux de Brueghel.

Le Christ dans la tempête sur la mer de Galilée (1598). Huile sur cuivre, 27 × 35 cm, Musée Thyssen-Bornemisza, Madrid. Episode biblique. Le lac de Galilée n'a que 6 ou 7 km de large mais il est sujet à des tempêtes. Jésus et quelques disciples s'embarquent et subissent une forte tempête. Mais Jésus dort. Les disciples le réveillent et lui reprochent de ne rien faire pour les sauver. Il leur fait comprendre que le suivre n'est pas une solution de facilité ; puis il apaise la tempête.

La bataille d'Issus (1602). Huile sur bois, 86 × 135 cm, Musée du Louvre, Paris. « Le tableau, autrefois dénommé "Bataille d'Arbelles (331 av. J.-C.)", représente en fait une autre victoire d'Alexandre le Grand sur le belliqueux Darius, roi des Perses, la fameuse bataille d'Issus (333 av. J.-C.). Le chef macédonien, par une audacieuse stratégie, profite du passage des troupes perses dans les défilés montagneux de Syrie pour lancer sa cavalerie à leur assaut. Ainsi, grâce au resserrement du champ de bataille, Alexandre réussit à vaincre un ennemi pourtant en surnombre. » (Notice musée du Louvres)

Le paradis terrestre (1607-08). Huile sur cuivre, 45 × 65 cm, Musée du Louvre, Paris. « Sans doute peint en 1607-1608 et le premier de la série des Quatre Éléments commandée à partir de 1607 par le cardinal-archevêque de Milan, Federico Borromeo. Dans le fond, Dieu le Père désigne à Adam et à Eve l'arbre du Bien et du Mal. Envoyé à Milan en 1616-1618 avec L'Air (Louvre), L'Eau et Le Feu (revenus à la Bibliothèque ambrosienne de Milan en 1815) ; transféré à Paris, 1796 ; resté après 1815 » (Notice musée du Louvre)

Analyse détaillée

La vision de Saint-Hubert (après 1615). Huile sur bois, 63 × 100 cm, Musée du Prado, Madrid. Hubert de Liège (entre 656 et 658-727) est un saint chrétien, évêque de Tongres et de Maastricht. Le seigneur Hubert, appartenant à l'aristocratie franque, est passionné de chasse et part à la chasse un vendredi saint. Il poursuit un cerf qui le distance toujours sans se fatiguer. Puis l'animal s'arrête et une voix céleste reproche à Hubert sa passion de la chasse. Celui-ci promet de rencontrer l'évêque de Maastricht et de faire pénitence. Ce tableau est le fruit d'une collaboration entre Brueghel (paysage) et Rubens (personnages).

La vue (1618). Huile sur bois, 65 × 109 cm, Musée du Prado, Madrid. Les allégories des cinq sens permettent à Brueghel d'accumuler dans un tableau des paysages, des éléments d'architecture, de la décoration d'intérieur, des animaux et de multiples personnages. Au premier plan, un personnage allégorique examine un tableau. La pièce est une sorte de galerie d'exposition où s'accumulent des statues, des peintures et quelques instruments astronomiques : télescope, astrolabe. C'est Rubens qui a peint les figures allégoriques sur les cinq tableaux.

Le goût (1618). Huile sur bois, 65 × 108 cm, Musée du Prado, Madrid. Le peintre a voulu nous placer dans une demeure seigneuriale. L'arrière-plan suggère un grand domaine boisé et les colonnades un vaste palais. Poissons, fruits, trophées de chasse sont entassés au premier plan. Sur la table centrale apparaissent un cygne, un paon, des tartes, des huîtres, des écrevisses et des fruits. Le personnage allégorique personnifiant le goût est un satyre servant du vin à une femme.

L'ouïe (1618). Huile sur bois, 65 × 107 cm, Musée du Prado, Madrid. Le nu féminin pourrait être Euterpe, muse de la musique, ou Vénus, déesse de l'amour. Presque tous les instruments de musique de l'époque sont représentés : clavecin, tambour, trompette, trombone, cornet, plusieurs flûtes, différentes tailles de violes, un luth. La présence du cerf  s'explique par l'ouïe fine de cet animal devenu le symbole de ce sens.

Le toucher (1618). Huile sur bois, 65 × 110 cm, Musée du Prado, Madrid. Le sens du toucher est personnifié par une femme nue embrassant son enfant. La partie gauche est un atelier de fabrication d'armures, activité manuelle supposant une certaine dextérité. Sur la partie droite apparaissent des tableaux accrochés au mur suggérant les touches de peinture.

L'ouïe, le toucher et le goût (1618). Huile sur bois, 176 × 264 cm, Musée du Prado, Madrid. Cette composition, beaucoup plus grande que les précédentes, synthétise trois sens. Le regard est d'abord attiré vers le paysage apparaissant à l'arrière-plan, derrière les arcades. Ce n'est que dans un second temps que le spectateur analyse les détails du premier plan pour y retrouver aisément les éléments correspondant à chaque sens.