Vittore Carpaccio

Vittore Carpaccio. Arrivée des ambassadeurs anglais (1490-96). Huile sur toile, 275 × 589 cm, Gallerie dell'Accademia, Venise. Il s’agit du premier épisode de la légende. Les ambassadeurs anglais arrivent à la cour du roi de Bretagne (Cornouailles) pour demander la main d’Ursule. Au centre, le roi reçoit les ambassadeurs qui s’agenouillent devant lui. A droite, dans la chambre d’Ursule, le roi et sa fille sont en conversation, tandis qu’une gouvernante garde l’escalier permettant d’accéder à la chambre. Cette narration par l’image est placée dans un cadre architectural typiquement vénitien, bien qu’il soit impossible de retrouver un bâtiment réel. Cette manière unique de conjuguer un épisode religieux et le cadre de la vie quotidienne à Venise constitue l’originalité de Carpaccio.

Vittore Carpaccio. Arrivée des ambassadeurs anglais, détail (1490-96). Carpaccio s’inspire bien entendu de ce qu’il connaît, c'est-à-dire les cérémonies officielles vénitiennes. Comme le doge de Venise, le roi est entouré de ses conseillers. Le mur est recouvert de tentures en cuir ornées de pierres précieuses. Une vaste perspective s’ouvre sur la ville, dominée par une construction surélevée d’un dôme. L’édifice, typiquement vénitien, rappelle la basilique Santa Maria della Salute qui n’a pourtant été construite qu’au 17^e siècle.

Vittore Carpaccio. Rencontre des fiancés et départ des pèlerins (1495). Huile sur toile, 280 × 611 cm, Gallerie dell'Accademia, Venise. Le tableau a encore un caractère narratif. Carpaccio a voulu y placer plusieurs scènes successives concernant le départ de sainte Ursule. Au premier plan, les scènes se succèdent de gauche à droite. A gauche du drapeau, le fiancé d’Ursule prend congé de son père. A droite, les deux fiancés se rencontrent pour la première fois. A l’extrême-droite, les fiancés prennent congé des parents d’Ursule. A l’arrière-plan, le bateau quitte le port avec les pèlerins. Le peintre s’est inspiré de l’architecture vénitienne pour les bâtiments situés à droite. L’ambiance générale correspond à une fête populaire avec des rues encombrée par la foule. Tout autant que l’illustration d’une légende, il s’agit d’une représentation d’un évènement important tel qu’il pouvait se dérouler dans la cité des doges, bien que l’épisode ne se situe pas à Venise.

Vittore Carpaccio. Rencontre des fiancés, détail (1495). Huile sur toile, 280 × 611 cm, Gallerie dell'Accademia, Venise. Ce détail permet d’apercevoir le minutieux travail de Carpaccio sur les étoffes et les chevelures.

Vittore Carpaccio. Le Miracle de la Sainte Croix au Rialto (v. 1496). Huile sur toile, 365 × 389 cm, Gallerie dell'Accademia, Venise. Le thème est la guérison d'un possédé par le Patriarche Francesco Querini, dans son palais du Rialto, par l'intercession de la relique de la Sainte Croix. Le miracle a lieu dans la loggia située dans la partie supérieure gauche. Mais cette anecdote a peu d’importance. C'est la vue de Venise en 1492 qui nous intéresse aujourd’hui. Le pont du Rialto est encore en bois. Il sera incendié peu après. Les cheminées à cloche renversée, typiques de Venise, apparaissent sur tous les bâtiments. Les gondoles sont couvertes pour se protéger du soleil de l’été.

Vittore Carpaccio. La vision de saint Augustin (1502). Huile sur toile, 141 × 210 cm, Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venise. Augustin d’Hippone (354-430) est un philosophe et théologien chrétien dont l’œuvre a eu une influence déterminante sur le christianisme occidental. Jérôme de Stridon (vers 347-420), contemporain d’Augustin, est également un lettré, traducteur de la Bible. Les deux hommes ont échangé une correspondance. Le tableau saisit Augustin écrivant à Jérôme pour l’informer de sa mort imminente. A ce moment, il entend la voix de saint Jérôme venant du ciel et se tourne vers la fenêtre. La composition allie une pureté sans égale et un réalisme dans le détail qui signe l’influence flamande. La pièce dans laquelle travaille saint Augustin n’a strictement rien à voir avec la réalité vécue par le théologien, mais représente le lieu idéal de réflexion d’un humaniste et d’un esthète du début du 16^e siècle. En conjuguant une géométrisation très réfléchie et un travail des plus délicats sur l’ombre et la lumière, Carpaccio a sans aucun doute réalisé un de ses chefs-d’œuvre.

Vittore Carpaccio. Saint Jérôme et le lion (1502). Huile sur toile, 141 × 211 cm, Scuola di San Giorgio degli Schiavoni, Venise. Dans La Légende dorée (1261-1266) Jacques de Voragine raconte que saint Jérôme aurait rencontré dans le désert un lion blessé à la patte par une épine. Le lion laisse Jérôme le soigner et il devient l’animal de compagnie du saint. Carpaccio situe l’épisode légendaire dans un cadre vénitien dont l’architecture forme l’arrière-plan. Le lion apprivoisé de saint Jérôme effraie des moines visiblement contemporains du peintre, mais un peu en retrait, des personnages portant le turban rappellent malgré tout que la scène est censée se dérouler en Orient.

Vittore Carpaccio. La naissance de la Vierge (1504-08). Tempera sur toile, 126 × 128 cm, Accademia Carrara, Bergame. La scène religieuse a été placée dans un intérieur typique de l’époque de Carpaccio. On retrouve bien des constantes de composition déjà utilisées depuis le début du 15^e siècle, par exemple le dallage au sol et les solives au plafond, ainsi que la succession de portes, le tout étant destiné à marquer la perspective. Le goût du détail exact, que l’on pourra analyser dans l’attitude de chacun des personnages, reste intact chez Carpaccio. La limpidité de l’ensemble, due à la parfaite maîtrise d’une lumière atténuée, souligne la quiétude de cette scène d’intérieur, qui peut évoquer chez l’observateur une ambiance vermeerienne.

Vittore Carpaccio. L’Annonciation (1504). Huile et tempera sur toile, 130 × 140 cm, Galleria Franchetti, Ca 'd'Oro, Venise. L’archange Gabriel annonce à la Vierge Marie la naissance prochaine du Christ (maternité divine de la Vierge selon le dogme chrétien). Carpaccio ne renouvelle pas ce thème abondamment traité au 15^e siècle, mais réalise une composition à l’architecture brillamment travaillée associée à un paysage donnant de la profondeur et de la clarté au tableau. Les couleurs délicates et la douce luminosité de l’ensemble en font l’une des toiles les plus réussies des Histoires de la Vierge.

Vittore Carpaccio. L’homme au béret rouge (1490-93). Tempera sur bois, 35 × 23 cm, Musée Correr, Venise. Ce portrait d’un inconnu a été attribué par le passé à d’autres artistes, mais l’attribution à Carpaccio est désormais généralement acceptée. Le paysage en arrière-plan est inspiré de la peinture flamande et l’expression altière du modèle se retrouve dans d’autres portraits de l’artiste.

Vittore Carpaccio. Portrait de femme (1495-98). Huile sur bois, 29 × 24 cm, Galleria Borghese, Rome. Cette coiffure est caractéristique de la mode vénitienne de la fin du 15^e siècle. Le modèle n’est pas connu, mais il pourrait s’agir d’une jeune mariée. Elle porte un collier comportant trois chaînes de mailles d’argent et un collier de perles, symbole de chasteté.

Vittore Carpaccio. Le doge Leonardo Loredan (v.1500). Huile sur bois, 68 × 51 cm, Accademia Carrara, Bergame. Leonardo Loredan (1436-1521) est le 75^e doge de Venise. Le doge est le plus haut dirigeant de la République de Venise, élu par un conseil restreint d'une quarantaine de membres. Loredan occupe cette fonction de 1501 à 1521. Ce portrait de profil, dont l’attribution à Carpaccio n’est pas certaine, ne peut pas rivaliser avec le portrait de face réalisé à la même époque par Giovanni Bellini et unanimement considéré comme un chef-d’œuvre.

Vittore Carpaccio. Femme tenant un livre (1500-05). Huile sur bois, 43 × 31 cm, Art Museum, Denver. Cette femme n’est pas identifiée, mais eu égard à ses vêtements luxueux, elle appartient à la classe dirigeante et tient probablement dans ses mains un livre pieux.

Vittore Carpaccio. Portrait d’un noble vénitien (v. 1510). Huile sur bois, 36 × 27 cm, Norton Simon Museum, Pasadena. « Bien qu’il soit endommagé et souffre d’altérations (particulièrement au niveau des cheveux et du col), ce portrait d’un personnage hors du commun constitue un exemple de l’adaptation à Venise du portrait flamand, qui devint la norme en Italie au cours du dernier quart du 15^e siècle. Le modèle, placé de trois-quarts, tourne la tête pour croiser le regard du spectateur. Il est placé devant un vaste paysage comportant des tours, des personnages en action et un ciel lumineux contrastant avec les cheveux noirs et le chapeau ; tous ces éléments servent à accentuer sa distinction. » (Commentaire Norton Simon Museum)

Vittore Carpaccio. La méditation sur la passion (v. 1490). Huile et tempera sur bois, 67 × 85 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « Cette remarquable composition est une méditation sur la mort et la résurrection. Le corps du Christ mort est placé sur un trône brisé comportant des inscriptions hébraïques. Un oiseau – symbole de l'âme – vole au-dessus. Le paysage – à la fois aride et luxuriant – évoque les thèmes de la vie et de la mort, à l'instar des animaux. Job, le prophète de l'Ancien Testament, est assis sur un socle portant des inscriptions en hébreu, tandis que saint Jérôme (environ 347-420), qui a écrit un commentaire sur le livre de Job, lui fait face. Les personnages en turban à l'arrière-plan étaient familiers des vénitiens du fait de leurs échanges commerciaux avec le Moyen-Orient et l'Égypte. » (Commentaire MET)

Vittore Carpaccio. Deux dames vénitiennes (1490-95). Huile sur bois, 94 × 64 cm, Museo Correr, Venise. Cette peinture est une partie d’une œuvre plus vaste qui a été découpée. La partie supérieure est conservée au J. Paul Getty Museum (voir ci-après, La chasse sur la lagune). Au 19^e siècle, les commentateurs voyaient ces dames comme des courtisanes. L’interprétation actuelle les considère comme des patriciennes attendant leurs maris chassant sur la lagune, qui apparaissaient dans la partie supérieure. La coiffure caractéristique et les chaussures à semelles compensées (appelées chopines) étaient à la mode à l’époque à Venise.

Vittore Carpaccio. La chasse sur la lagune (1490-95). Huile sur bois, 76 × 64 cm, J. Paul Getty Museum, Los Angeles. Des patriciens vénitiens chassent le cormoran à l’arc à partir de gondoles navigant sur la lagune. Cette scène constituait l’arrière-plan de Deux dames vénitiennes (voir ci-dessus). La fleur de lys apparaissant au bas de l’image est la partie supérieure de la tige sortant du vase posé sur la balustrade, en haut de Deux dames vénitiennes.

Vittore Carpaccio. La Vierge lisant (v. 1505). Huile sur bois transférée sur toile, 78 × 51 cm, National Gallery of Art, Washington. Cette composition reprend le personnage assis sur un muret du tableau consacré à La naissance de la Vierge peint pour la Scuola di Santa Maria degli Albanesi. Il pourrait être un fragment d’une composition plus vaste.

Vittore Carpaccio. Vierge à l’Enfant (1505-10). Huile sur bois, 85 × 68 cm, National Gallery of Art, Washington. Cette composition est proche de la Madone du pré (1505) de Giovanni Bellini, sans en atteindre le raffinement.

Vittore Carpaccio. Jeune chevalier dans un paysage (1505). Huile sur toile, 218 × 151 cm, Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Madrid. Le modèle pourrait être Francesco Maria della Rovere, troisième duc d’Urbino. Carpaccio rappelle sur le parchemin placé à gauche du personnage la devise de la chevalerie : MALO MORI QUAM FOEDARI (Mieux vaut mourir que de perdre son honneur). Le paysage n’est pas seulement un arrière-plan. Il est représenté avec un luxe de détails réalistes inspirés de la peinture flamande : animaux, fleurs. Les édifices eux-mêmes illustrent l’architecture de l’époque et comportent une fonction perspectiviste.

Vittore Carpaccio. La fuite en Égypte (v. 1515). Huile sur bois, 72 × 111 cm, National Gallery of Art, Washington. Le roi Hérode I^er de Palestine, ayant appris la naissance à Bethléem du roi des Juifs, donne l’ordre de tuer tous les enfants de moins de deux ans se trouvant dans la ville. Prévenu par un songe, Joseph s’enfuit en Égypte avec l’enfant Jésus et sa mère Marie. Ils y resteront jusqu’à la mort d’Hérode. Sur un arrière-plan paysager servant de décor grandiose à la scène biblique, Carpaccio place au premier plan la Sainte Famille en fuite pour l’Égypte. Les vêtements permettent de libérer la couleur, la tenue somptueuse de la Vierge étant une exception dans la représentation très fréquente de cette scène à la Renaissance.

Vittore Carpaccio. Le lion de saint Marc (1516). Tempera sur toile, 130 × 368 cm, Palazzo Ducale, Venise. Ce tableau a été réalisé pour les magistrats Camerlenghi du Rialto, hauts-fonctionnaires chargés de la gestion du trésor public (encaissements et décaissements de l’État). La Sérénissime République de Venise avait été vaincue en 1509, à la bataille d’Agnadel, par la ligue de Cambrai, coalition regroupant le roi de France Louis XII, l’empereur Maximilien et le roi d’Aragon, de Naples et de Navarre Ferdinand II. La représentation du majestueux lion de saint Marc, symbole de la puissance de la République de Venise, constitue un acte de patriotisme de l’artiste. Les pattes arrière dans la mer et les pattes avant sur la terre symbolisent la puissance maritime et terrestre de la République. Le lion présente l’inscription traditionnelle PAX TIBI MARCE EVANGELISTA MEVS (Que la paix soit avec toi, Marc, mon évangéliste). Des détails de la ville figurent en arrière-plan.

Vittore Carpaccio. Le lion de saint Marc, détail (1516). Carpaccio réalise une représentation détaillée du bassin Saint-Marc avec en arrière-plan les plus célèbres édifices de Venise. Sur la gauche apparaissent le campanile de Saint-Marc (tour haute et pointue) et  la tour de l’Horloge (derrière la hampe du drapeau). Le bâtiment massif comportant des arcades à la base est le Palais des Doges. Derrière lui, les dômes de la basilique Saint-Marc sont visibles.

Vittore Carpaccio. Le lion de saint Marc, détail (1516). A droite des navires apparaît l’île de San Giorgio Maggiore avec sa basilique.