Bernard van Orley

Bernard van Orley. Le mariage de la Vierge (v. 1513). Huile sur bois, 54 × 33 cm, National Gallery of Art, Washington. Episode de la tradition chrétienne au cours duquel Marie, mère de Jésus-Christ, épouse Joseph, dans la ville de Jérusalem. Ce thème est abondamment utilisé par les peintres à partir de Giotto (1267-1337) jusqu’au 17^e siècle.

Bernard van Orley. Vierge à l’Enfant (v. 1513). Huile sur bois, 35 × 51 cm, Musée de Cadix. Devant un trône majestueux, la Vierge allaite son Enfant. Robert Campin, le Maître de Flemalle, avait déjà réalisé une Vierge allaitante en 1430.

Bernard van Orley. Retable de saint Thomas et saint Matthieu (v. 1515). Huile sur bois, 140 × 180 cm, Kunsthistorisches Museum, Vienne. Ce retable est la première œuvre monumentale connue de van Orley. Seul le panneau central est à Vienne, les ailes latérales étant conservées à Bruxelles. Les apôtres Matthieu et Thomas étaient les patrons de la guilde des maçons et des charpentiers, donateur du retable. Les éléments d’architecture divisent le panneau en deux parties, la gauche consacrée à saint Thomas, la droite à saint Matthieu. Selon La Légende dorée de Jacques de Voragine, Thomas avait été envoyé évangéliser les Indes. Refusant d’adorer une idole, il est transpercé par l’épée du grand prêtre local. Matthieu est réputé avoir converti un grand nombre de personnes au christianisme en Judée.

Bernard van Orley. Portrait de Charles Quint (1516). Huile sur bois, 37 × 26,5 cm, musée de Brou, Bourg-en-Bresse. « Portrait en buste de Charles Quint, représenté de trois-quarts et tourné vers la droite. Le jeune roi imberbe semble âgé d'une quinzaine d'années. Il est vêtu d'une fine chemise de toile blanche qui dépasse de son pourpoint de damas d'or que recouvre un grand col de fourrure. Il porte le collier de la Toison d'Or et est coiffé d'un large béret orné de bijoux. Le fond du tableau est de couleur vert sombre. » (Notice base Joconde)

Bernard van Orley. Portrait de Joris van Zelle (1519). Huile sur bois, 39 × 32 cm, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles. Joris van Zelle (1491-1567) était un célèbre médecin bruxellois qui exerçait à l’hôpital Saint-Jean. Van Zelle entretenait sans doute des relations amicales avec van Orley. Tous deux habitaient place Saint-Géry. En plaçant une riche tapisserie à l’arrière-plan et un livre sur la table, l’artiste a représenté l’humaniste davantage que le médecin. Les portraits de cette époque n’ont pas vocation à traduire la personnalité du modèle mais son statut social. La personnalité de ce médecin a donc été éludée par le peintre.

Bernard van Orley. Le Christ au jardin des oliviers (v. 1519). Huile sur bois, 89 × 66 cm, musée du Louvre, Paris. Episode de la vie du Christ précédant son arrestation dans le jardin des oliviers à Jérusalem. Jésus prie durant la nuit avec à ses côtés Pierre, Jean et Jacques le Mineur endormis. « A dater assez tôt, vers 1519 dans le style tardo-gothique expressionniste, alors en faveur dans les Pays-Bas. (Notice musée du Louvre)

Bernard van Orley. Portrait de Charles Quint (1519-20). Huile sur bois, 71 × 52 cm, Szépművészeti Múzeum, Budapest. Charles V de Habsbourg, dit Charles Quint (1500-1558) devient roi d’Espagne en 1516 puis empereur du Saint-Empire romain germanique en 1519. Le portrait est donc réalisé au moment de l’accession au titre d’empereur, à l’âge de dix-neuf ans. La lèvre inférieure proéminente de Charles Quint a été nettement atténuée, comme d’ailleurs sur le portrait de 1515 ci-dessus.

Bernard van Orley. La Sainte Famille (1521). Huile sur bois, 107 × 89 cm, musée du Louvre, Paris. La Sainte Famille est la famille formée par Jésus de Nazareth et ses parents, Marie et Joseph. « Un des premiers grands tableaux italianisants de l'artiste. Evident hommage à Raphaël dans une habile flexibilité de lignes encore gothicisantes. » (Notice musée du Louvre)

Bernard van Orley. Portrait de Marguerite d'Autriche (après 1518). Huile sur bois, 37,1 × 27,5 cm, Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelles. Peintre officiel de la cour de Marguerite d’Autriche à Bruxelles, van Orley réalise un portrait solennel en demi-profil ne permettant pas de percer la personnalité du modèle. La position de la main évoque un dialogue que semble contredire l’impassibilité du visage.

Bernard van Orley. Le Jugement dernier (1519-25). Huile sur bois, 406 × 248 cm, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten, Anvers. Selon les traditions juive, chrétienne et musulmane, il s’agit du jour au cours duquel la divinité, après avoir ressuscité les morts, va classer les humains en damnés et justes. Les uns et les autres auront ensuite un sort distinct. Ce thème naïf, très populaire au Moyen Âge, permettait au peintre d’exercer sa créativité par de multiples scènes plus ou moins apocalyptiques. Les humains, dans le bas monde, sont nus. Les anges et les apôtres appartiennent à la cour céleste et sont représentés sur des nuages (panneau central).
​Sur le panneau de gauche, les prêtres distribuent de l’eau et de la nourriture aux pauvres. Le panneau de droite évoque encore les rigueurs de la vie terrestre (mendiants, malades, prisonniers) et le secours apporté par l’église.

Bernard van Orley. Triptyque Haneton (1520-30). Huile sur bois, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles. Le triptyque fut commandé à Van Orley par Philippe Haneton vers 1520. Il devait orner le tombeau de la famille dans l'église Sainte-Gudule à Bruxelles. Philippe Haneton avait été nommé premier secrétaire du Grand Conseil par Charles Quint en 1518. Il était également le trésorier de l'Ordre de la Toison d'Or. En position fermée, le triptyque comporte une Annonciation peinte en grisaille.

Bernard van Orley. Triptyque Haneton, panneau central (1520-30). Huile sur bois, 87 × 108,5 cm, Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles. Ce panneau représente la mise au tombeau du Christ, entouré des personnages bibliques traditionnels : la Vierge, Marie de Béthanie, Marie de Magdala, Marie-Madeleine, saint Jean. En haut à droite apparaissent Joseph d'Arimatie et Nicodème. Van Orley choisit un plan rapproché sur fond or, éliminant ainsi tout élément narratif pour se concentrer sur les visages exprimant la douleur. Ce choix de composition résulte de l’influence italienne.

Bernard van Orley. Triptyque Haneton, panneaux latéraux (1520-30). Huile sur bois, 87 × 48 cm (chaque panneau), Musées Royaux des Beaux-Arts, Bruxelles. L’aile gauche représente le donateur Philippe Haneton et ses sept fils, présentés par saint Philippe. Sur l’aile droite figure l’épouse de Philippe Haneton, Marguerite Numan, entourée de ses cinq filles et présentées par sainte Marguerite.

Bernard van Orley. Triptyque du calvaire (v. 1534). Huile sur bois, 700 × 430 cm, Onze-Lieve-Vrouwekerk (Église Notre-Dame), Bruges. Ce triptyque fut commandé par Marguerite d’Autriche pour le monastère royal de Brou, à Bourg-en-Bresse. Il représente diverses scènes de la passion du Christ sur les ailes latérales, le panneau central étant consacré à la crucifixion.

Bernard van Orley. Triptyque du calvaire fermé (v. 1534). Huile sur bois, Onze-Lieve-Vrouwekerk (Église Notre-Dame), Bruges. En position fermée apparaissent les blasons des Habsbourg d'Autriche (en haut à gauche), du Portugal (en haut à droite), de Philippe II (au centre), des Ducs de Bourgogne (en bas à gauche) et des Bourbons (en bas à droite).

Bernard van Orley. La Cène (1525-28). Tapisserie laine, soie, fil d’argent et d’or, 335 × 350 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Probablement tissée par Pieter de Pannemaker. « Cette splendide Cène fait partie d'une série de quatre tapisseries, conçues vers 1520, illustrant la Passion du Christ et peut-être tissée pour le duc d'Albe. Conçue par Bernard van Orley, peintre de la cour de Marguerite d'Autriche, la scène se déroule dans une loggia italienne de la Renaissance, à travers laquelle d'autres bâtiments d'inspiration classique sont visibles à l'arrière-plan. L'abondance de détails décoratifs sur les piliers en marbre, la nappe à motifs et les tentures murales correspondent au goût flamand des riches ornementations. Avec son nimbe gigantesque, le Christ est représenté au centre de la composition, son bras droit entourant saint Jean endormi et son bras gauche tendu indiquant Judas au spectateur… » (Commentaire MMA)

Bernard van Orley. La bataille de Pavie (1525-31). Tapisseries laine, soie, coton, fil d’or et d’argent, Museo nazionale di Capodimonte. Cet ensemble de sept tapisseries, exposées à Capodimonte en Italie, représente des scènes de la bataille de Pavie qui opposa le roi de France, François 1^er, à l’empereur du Saint Empire romain germanique, Charles Quint, le 24 février 1525. Ce fut la première victoire militaire de l’empereur, qui fit prisonnier le roi de France.
L’ensemble comporte sept pièces mesurant entre huit et neuf mètres de largeur et quatre mètre trente de hauteur. Les dessins initiaux sont attribués à Bernard van Orley. Sept dessins à grande échelle sont conservés au musée du Louvre. La fabrication fut réalisée à Bruxelles où étaient implantés des ateliers à la compétence internationalement reconnue.
​Ci-après, deux exemples de ces tapisseries.

Bernard van Orley. La capture de François 1^er (1525-31). Tapisserie laine, soie, coton, fil d’or et d’argent, Museo nazionale di Capodimonte. Le roi de France, au centre, à cheval, est encerclé par les troupes de Charles Quint et fait prisonnier. Il sera transféré en Espagne, détenu pendant un an puis libéré après versement d’une rançon par la France. Au lendemain de la défaite, il écrit à sa mère, la duchesse d’Angoulême : « Madame, pour vous faire savoir comment se porte le reste de mon infortune, de toutes choses ne m'est demeuré que l'honneur et la vie qui est sauve. » Cette phrase a été par la suite déformée et l’expression suivante, apprise par des générations de collégiens, est restée célèbre : « Tout est perdu fors l’honneur ».

Bernard van Orley. L’invasion du camp français (1525-31). Tapisserie laine, soie, coton, fil d’or et d’argent, Museo nazionale di Capodimonte. Cette tapisserie représente l’invasion du camp français par les troupes de Charles Quint, la prise du château de Mirabello et la capture des dames et des civils accompagnant François 1^er.

Bernard van Orley. Les chasses de Maximilien, septembre (1531-33). Tapisserie laine, soie, or et argent, 440 × 563 cm, musée du Louvre, Paris. « Septième pièce d'une tenture représentant les douze mois de l'année associés à des scènes de chasse à la cour de Brabant, cette tapisserie illustre un épisode de la chasse au cerf [...]
Un cerf s'est jeté dans un étang, espérant échapper à ses poursuivants. Des chiens et deux hommes l'entourent et déjà, l'un d'eux le retient en s'agrippant à ses bois. Sur le devant de la scène, les autres chasseurs – piqueurs à pied, seigneurs et dames à cheval – tendent et se pressent au bord de l'eau.
Les bâtiments sur la rive opposée ont permis de situer la scène, comme les autres épisodes de la chasse, en forêt de Soigne aux abords de Bruxelles : le prieuré de Groenendael et le pavillon de chasse de Ravenstein qui lui est attenant étaient une des haltes privilégiées de la cour.
​Une riche guirlande de fleurs et de fruits animée de nombreux petits animaux, typiquement bruxelloise, remplit les bordures latérales et supérieures. La bordure inférieure est traitée en trompe-l’œil à la manière d'un bas-relief antique avec des divinités et des monstres marins. » (Commentaire musée du Louvre)