Julien Dupré. La vache blanche (v. 1890)

Cliquer sur les images ci-dessus
PARTENAIRE AMAZON ► En tant que partenaire d'Amazon, le site est rémunéré pour les achats éligibles.
 

Patrick AULNAS

Julien Dupré est un des meilleurs représentants de la peinture de la ruralité à la fin du 19^e siècle. Il s’intéresse en particulier à la peinture animalière.

Julien Dupré. La vache blanche (v. 1890)
Huile sur toile, 116 × 153,5 cm, musée d'Orsay, Paris.
Image HD sur MUSÉE D’ORSAY

Contexte historique

Le salon officiel de peinture accueillait volontiers les toiles représentant la paysannerie. Voilà qui ne doit pas surprendre dans un monde qui restait encore essentiellement rural. En 1900, environ un Français sur deux travaillait dans l’agriculture alors qu’aujourd’hui le chiffre est tombé à 1 sur 40. Évidemment, l’intelligentsia se moquait de cette peinture de la représentation de la société traditionnelle. Elle accordait ses faveurs au dépassement de la représentation avec l’émergence de multiples mouvements picturaux.

Le bourgeois, petit ou grand, client des artistes, préférait en général la peinture académique ou réaliste. Un peintre comme Julien Dupré pouvait donc vivre facilement de son travail d’artiste. Il est intéressant d’analyser aujourd’hui ce qui plaisait à la plus grande partie des acheteurs de tableaux à la fin du 19^e siècle.

Analyse de l’œuvre

Une paysanne agenouillée dans l’herbe est occupée à traire une vache blanche. Il s’agit sans doute d’une journalière qui travaille sous la surveillance de la fermière apparaissant à l’arrière-plan, les mains sur les hanches pour bien indiquer qui dirige. Le peintre n’a pas voulu d’un troupeau, ni de la traite dans l’étable, pratique la plus courante. Il fait donc un choix artistique afin de privilégier la représentation de l’animal. La vache occupe toute la moitié droite du tableau, la moitié gauche étant réservée aux deux personnages. Le plein air, tant vanté par les impressionnistes, permet les effets de lumière : arrière-plan ombrageux, scène de traite en pleine lumière.

Le ciel n’apparaît pas car il est masqué par le bâtiment de la ferme. Ce choix de composition permet au peintre de limiter la palette à quelques couleurs : vert, blanc, gris et un soupçon de bleu pour les vêtements. Il s’agit de couleurs froides, le jaune et le rouge étant exclus. La chaleur émane donc uniquement de la lumière du soleil, élément fondamental de la composition mis en évidence par le contraste avec les couleurs froides.

Bien que né à Paris dans la bourgeoisie commerçante, Julien Dupré connaît les animaux. Il les a minutieusement observés comme le faisaient les peintres flamands de la Renaissance pour les paysages urbains ou naturels. La vache est d’une vérité criante, bien plantée sur ses quatre pattes, le regard orienté vers le spectateur. Les excroissances osseuses caractéristiques de l’animal n’ont pas été négligées. La représentation réaliste de cette vache se limite d’ailleurs à sa morphologie car sa propreté immaculée ne correspond pas vraiment à la vie des champs. Quelques traces de boue devraient apparaître car les paysans ne nettoyaient pas leurs animaux.

La position de la paysanne constitue également un choix purement artistique. La traite se fait en position assise sur un tabouret bas en bois et jambes écartées. Évidemment, une telle position n’est pas compatible avec l’image idéalisée du monde rural que cherche à transmettre le peintre ni sans doute avec la pruderie de l’époque concernant la bienséance féminine. L’agenouillement évoque la pureté de la prière, la modestie, voire la soumission, en relation dans ce cas avec la posture dominatrice de la fermière postée dans l’encadrement de la porte.

Conjuguer idéalisme et réalisme en gommant les implications de ce dernier, voilà bien une des caractéristiques de la peinture animalière de l’époque. On retrouve cette approche chez Rosa Bonheur, la plus appréciée des spécialistes du monde animal de la fin du 19^e siècle. Il s’agit de présenter à la clientèle bourgeoise une vision idéalisée de la nature, tout en restant dans la représentation exacte de ce que peut en capter l’optique humaine. Il en résulte une sorte de photographie en couleur qui aurait été retouchée, la peinture lui donnant évidemment un cachet incomparable. La peinture hyperréaliste de la fin du 20^e siècle poursuivra cette recherche.

L’influence impressionniste n’est pas absente. Pour le comprendre, il faut comparer le style de Julien Dupré à celui de ses prédécesseurs. Choisissons un paysage néoclassique mâtiné de romantisme, Le parc à Mortefontaine de Jean-Joseph-Xavier Bidauld.

Jean-Joseph-Xavier Bidauld. Le parc à Mortefontaine (1806)
Huile sur toile, 87,6 × 128,3 cm, Indianapolis Museum of Art.

Bidauld cherche à reconstituer sur la toile ce qu’il voit de la nature en s’attachant aux détails, comme le faisaient les artistes depuis la Renaissance. Le feuillage est analysé avec minutie, les herbages sont traités comme des pelouses anglaises. Au contraire, Dupré évoque le feuillage et l’herbe au sol par des touches de couleur non représentatives. Il transmet sa perception du réel à la manière des impressionnistes, sans chercher à transcrire sur le support une réalité optique. Le style de Bidauld reste proche de celui des artistes du 15^e siècle, comme le montre le Saint Jean-Baptiste au désert de Gérard de Saint-Jean :

Gérard de Saint-Jean. Saint Jean-Baptiste au désert (1480-95)
Huile sur bois, 42 × 28 cm, Staatliche Museen, Berlin.

Dupré est influencé par le jeune Monet des années 1860 :

Claude Monet. Le déjeuner sur l’herbe, étude (1865)
Huile sur toile, 130 × 181 cm, musée Pouchkine, Moscou.

La peinture de Dupré n’est donc pas asservie à la tradition séculaire. Elle présente une réalité contemporaine dominante, la société paysanne, mais avec un style imprégné des évolutions récentes de l’art de peindre.

Quelques peintures animalières depuis la préhistoire

Des aurochs de la préhistoire aux scènes de labourage du 19^e siècle, la représentation de nos amis les animaux a toujours été présente dans l’art.