Jean-Étienne Liotard. La liseuse (1746)

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Patrick AULNAS

Jean-Étienne Liotard (1702-1789) appartient à cette catégorie d’artistes très indépendants qui construisent leur œuvre en marge des écoles et des tendances dominantes de leur époque. Il en résulte un style très personnel qui ne varie que très peu.

Jean-Étienne Liotard. La liseuse (1746)
Pastel sur vélin, 54,5 × 43 cm, Rijksmuseum, Amsterdam.
Image HD sur WIKIMEDIA

Contexte historique

Venu du milieu des artisans protestants de Genève, Jean-Étienne Liotard aime le travail bien fait et la simplicité. Il ne se rattache absolument pas au style rococo qui prévalait à Paris sous le règne de Louis XV. Les artifices, les volutes, les déguisements en figures antiques (Vénus, Diane), si courants dans le portrait français de l’époque, ne pourront être trouvés chez Jean-Étienne Liotard. C’est au contraire des scènes de genre vermeeriennes de la peinture hollandaise que s’inspire le genevois.

La mode du pastel fut introduite à Paris en 1721 par l’italienne Rosalba Carriera qui influença Maurice Quentin de la Tour, le plus grand pastelliste français du 18^e siècle. Jean-Étienne Liotard est son exact contemporain et son égal en termes de réussite dans cette technique si particulière et il est aussi essentiellement un portraitiste. Mais le style de Liotard diffère profondément de celui de Quentin de la Tour par le dépouillement de la composition.

Le thème de la lecture est paradoxalement très pictural et il est exploré par l’art occidental avant même la Renaissance. Lorsqu’un personnage unique est plongé dans sa lecture, le spectateur le surprend et commet une indiscrétion. Un tel arrière-plan psychologique suscite à la fois la curiosité (que lit-elle ? que lit-il ?) et une légère culpabilité (de quoi je me mêle). Ce questionnement spontané conduit à une analyse subjective de l’œuvre qui dépasse la simple impression initiale. Le thème de la lecture est également universel et il n’est pas nécessaire d’être familier d’une culture spécifique pour l’aborder. Tout être humain  comprend immédiatement de quoi il s’agit.

Analyse de l’œuvre

Cette scène de genre est aussi le portrait de la nièce de l’artiste, Marianne Lavergne. C’est lors d’un séjour à Lyon, en 1746 chez sa sœur Sara, que Liotard réalise le portrait de la jeune femme de 29 ans. Il choisit de la représenter en liseuse et crée cinq versions de la composition, qui sera également reproduite en estampes.

Jean Daullé et Simon François Ravenet, d’après Jean-Étienne Liotard. Mademoiselle Lavergne.
Gravure. National Gallery of Art, Washington.

L’œuvre est signée, datée et localisée

Jean-Étienne Liotard. La liseuse, détail

Le modèle porte un vêtement caractéristique de la mode de l’époque, dit robe à la française. La représentation de cette robe permet de mettre en évidence l’une des caractéristiques essentielles de la peinture de Liotard, le soin apporté aux détails. Sur le gros plan ci-après on remarque les lacets de couleur orange tenus par des œillets métalliques minutieusement représentés, les motifs blancs sur fond bleu des manchettes et le crucifix en pendentif sur lequel le Christ apparaît nettement.

Jean-Étienne Liotard. La liseuse, détail

Dans son Traité des principes et des règles de la peinture, le peintre revendique ce goût du détail. « Le fini est une des plus agréables parties de la peinture », écrit-il, et il ajoute : « les petits détails, quand ils sont bien imités, font un très-grand plaisir » (*). Cette position est atypique chez les artistes et les amateurs d’art de l’époque. Le soin apporté à la représentation des détails est en effet considéré comme une simple imitation de la nature. La doxa du 18^e siècle considérait que c’est à l’impression d’ensemble que doit s’attacher le peintre car il pourra ainsi s’approcher de la vérité, qui n’est pas imitation. Jean-Étienne Liotard, grand artiste internationalement apprécié, fut ainsi constamment mis à l’écart par l’Académie royale de peinture et de sculpture de Paris, qui fixait les règles du bon goût.

Dans le même ordre d’idées, Liotard préconise de ne laisser apparaître aucune touche, en particulier pour le rendu du corps humain. « L’uni d’une belle peau, le poli, le transparent des corps » (*) constituent pour l’artiste une contrainte technique et une ambition esthétique. Liotard était d’ailleurs particulièrement apprécié pour la finition  soignée de ses tableaux.

Jean-Étienne Liotard. La liseuse, détail

On retrouve ce goût du détail et du fondu des couleurs chez les peintres hollandais de scènes de genre et de natures mortes, en particulier Jan van Huysum (1682-1749), peintre de natures mortes florales très admiré de Liotard. Les connaisseurs français, quant à eux,  jugeaient cette manière « vulgaire ». Mais le succès de Liotard, qui vendait ses œuvres à un prix très élevé, permet d’apprécier leur faible influence internationale.

L’autre caractéristique de la peinture de Liotard est l’extrême dépouillement de la composition et du chromatisme. La liseuse est assise sur une simple chaise en bois, devant un fond uniforme. Elle lit calmement un document de deux feuilles, sans doute une lettre. Son visage n’exprime ni inquiétude, ni joie, ni surprise, mais reste parfaitement serein. Les couleurs se résument au brun clair, au blanc, au bleu et à l’orange. L’ensemble, positon du sujet, détails et couleurs, est d’une délicatesse extrême qui n’est atteinte que par certains chefs-d’œuvre de la peinture hollandaise.

La grande originalité du peintre genevois est là : conjuguer le dépouillement de la composition et la minutie de la représentation. Liotard est plus rigoureux que la plupart des artistes hollandais qui se limitaient rarement à une figure sur un arrière-plan uniforme. Seul Vermeer avait, à plusieurs reprises osé adopter cette formule dès le 17^e siècle, en particulier avec La jeune fille à la perle (1665-1667). Nous sommes à l’exact opposé du style rococo qui surcharge le tableau de motifs variés et ne cherche nullement à soigner les détails. Le génie pictural peut se manifester de multiples façons.

Panorama historique sur le thème de la lecture

Le thème est utilisé depuis des siècles car il permet de saisir le moment unique où intelligence et sensibilité se concentrent sur la lecture. Dans l’art occidental, les premières œuvres concernent la lecture de la Bible par des personnages saints. A partir du 17^e siècle, le sujet devient profane : lecture de lettres, de romans, d’ouvrages philosophiques.

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(*) Cité par Takumi Miyazaki, Le goût pour le fini dans l'Europe des Lumières, cairn.info, revue a Contrario, 2014/1