Gustave Caillebotte. Portraits à la campagne (1876)

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Patrick AULNAS

Gustave Caillebotte (1848-1894) est traditionnellement rattaché au mouvement impressionniste. Il a participé à plusieurs expositions impressionnistes de 1876 à 1882 et a même aidé le mouvement, tant sur le plan financier qu’organisationnel. Pourtant, le style de Caillebotte est plus proche de la peinture réaliste que du flou des tableaux impressionnistes. Son œuvre la plus célèbre, Les raboteurs de parquet (1875) ne correspond ni au style, ni aux thèmes habituels des impressionnistes.

Portraits à la campagne, peint l’année suivante, se démarque également de l’impressionnisme.

Gustave Caillebotte. Portraits à la campagne (1876)
Huile sur toile, 95 × 111 cm, musée Baron Gérard, Bayeux.

Contexte artistique et historique de l’œuvre

La propriété familiale de Yerres, au sud-est de Paris, est le lieu de prédilection du peintre. Ce vaste domaine a été le terrain de jeux de l’enfant et devient un sujet de tableau pour l’artiste. C’est à Yerres que Caillebotte réalise Portraits à la campagne en 1876.

La première exposition impressionniste a eu lieu en 1874 pour permettre aux peintres de ce courant d’exposer librement leurs toiles qui étaient systématiquement refusées par le jury du Salon officiel des Beaux-Arts. Gustave Caillebotte n’a pas participé à cette première exposition, mais il expose à la deuxième en 1876. A la troisième exposition, en 1877, il présente Portraits à la campagne, qui reçoit un accueil mitigé.

Caillebotte conserve le tableau jusqu’en 1887. Cette année-là, Zoé Caillebotte, cousine du peintre, se marie avec Jean-Baptiste Fermal, avoué à Bayeux. Gustave Caillebotte est témoin au mariage et offre Portraits à la campagne au jeune couple. Au décès de Zoé, en 1947, conformément à sa volonté, sa fille fait don du tableau au musée de Bayeux où il se trouve encore.

Analyse de l’œuvre

Dans le parc de la propriété familiale de Yerres, quatre femmes profitent d’un bel après-midi d’été à l’ombre des orangers. Ce sont des membres ou des proches de la famille Caillebotte. Au premier plan en robe bleue, Marie Caillebotte, cousine du peintre, est occupée à des travaux de couture. Marie est la sœur de Zoé, à qui Caillebotte offrira le tableau comme cadeau de mariage. Les deux femmes se faisant face sont Marie Amanda Chaumont, la tante de l’artiste et mère de Marie, et une amie de la famille, madame Hue, assise sur le banc. Au fond, devant le massif de pélargoniums, Céleste Daufresne, la mère du peintre, est absorbée dans sa lecture.

La composition cherche à créer une proximité avec les personnages tout en maintenant un effet de profondeur. Caillebotte a donc placé sa cousine au premier plan et aligné les autres figures le long de la façade de la maison. Au second plan, le massif de pélargoniums rouges et un arbre constituent une transition avec l’arrière-plan très ensoleillé.

Les quatre personnages, placés à mi-ombre, ne reçoivent que quelques rayons de soleil atténués par le feuillage. Pour éclairer fortement sa composition, Caillebotte utilise des contrastes chromatiques forts qui l’éloignent radicalement de la peinture académique de son époque. Au bleu de la robe de Marie succèdent le noir des vêtements des dames plus âgées puis le rouge du massif et enfin l’arrière-plan ensoleillé tirant vers le blanc.

L’observateur du tableau ressent une impression de vue en contreplongée car Caillebotte a construit une sorte de perspective montante. C’est ainsi qu’il a résolu sa problématique de composition : concilier un paysage vaste et profond et un portrait de groupe. Le peintre exclut le choix de Bazille en 1867 (Réunion de famille, voir ci-après), c’est-à-dire un portrait de groupe sur fond de paysage. Le paysage de Caillebotte n’est pas un simple décor, mais le sujet de la toile, tout autant que les figures qui y apparaissent. Le résultat de cette haute ambition – paysage complexe et portrait de groupe – est une composition asymétrique qui séduit dès le premier regard. Mais cette complexité n’avait pas été perçue de tous les critiques lors de l’exposition de 1877 et l’effet de perspective avait été jugé artificiel.

Bien qu’éloigné de l’académisme par le sujet, les couleurs et la composition, le tableau se distingue nettement des productions impressionnistes contemporaines. Le contraste stylistique avec les plus grands peintres de ce mouvement est tout à fait saisissant. Voici ce que peignaient Monet, Renoir et Sisley exactement à la même époque :

Claude Monet. Femme au parasol. Madame Monet et son fils (1875) Huile sur toile, 100 × 81 cm, National Gallery of Art.		Auguste Renoir. Bal du Moulin de la Galette (1876) Huile sur toile, 131 × 175 cm, musée d’Orsay, Paris.		Alfred Sisley. L’inondation à Port-Marly (1876) Huile sur toile, 61 × 50 cm, musée d’Orsay, Paris.

La composition de Caillebotte ne reprend ni la thématique impressionniste (pure étude de la lumière naturelle, rencontre conviviale, paysage avec étude de l’eau et du ciel), ni le style (dilution des formes non présente chez Caillebotte), ni l’esprit de l’impressionnisme. Sur ce dernier point, les scènes de genre impressionnistes, comme celle de Renoir ci-dessus, mettent particulièrement en évidence les liens entre les êtres humains. Il peut s’agir de liens familiaux (Morisot, Cassatt), de liens amicaux ou même professionnels. Caillebotte évoque au contraire la solitude. Dans Portraits à la campagne, chaque personne est absorbée par son occupation, mais aucun échange n’apparaît. La quiétude du groupe est privilégiée et non la fête, comme chez Renoir, ou les caresses de la mère pour son enfant comme chez Mary Cassatt.

Caillebotte n’est pas le seul artiste rattaché à l’impressionnisme qui traite de la solitude. En 1867, Frédéric Bazille avait réalisé Réunion de famille, portrait de groupe sur la terrasse de la propriété familiale. Là non plus, aucun échange n’apparaissait.

Frédéric Bazille. Réunion de famille (1867)
Huile sur toile, 152 × 230 cm, Musée d’Orsay, Paris.
Étude détaillée

Quelques autres exemples pourraient être cités, en particulier le tableau du jeune Edgar Degas, La famille Bellelli, daté entre 1858 et 1867 par le musée d’Orsay.

Les portraits de groupe de Bazille, Caillebotte ou Degas représentent la haute bourgeoisie du 19^e siècle, dont la morale austère se manifeste sur l’image par une certaine raideur de comportement et une extrême retenue. La peinture reflète l’éducation reçue. Mais le regard singulier de l’artiste reste déterminant. Max Liebermann venait aussi de la haute bourgeoisie allemande, mais ses tableaux, par exemple La terrasse du restaurant Jacob à Nienstedten-sur-Elbe (1902-03) ne respirent pas la solitude, omniprésente chez Caillebotte.

Quelques portraits de groupe à travers l’histoire

Dès l’Antiquité apparaît le portrait individuel. Le portait de groupe est plus tardif. Au 17^e siècle, il représente parfois en Europe du nord des notables participant à une même activité (Rembrandt, Frans Hals). Les portraits de famille sont évidemment présents (Rigaud, David), y compris les familles royales (Vigée Le Brun). Dans la seconde moitié du 19^e siècle, le genre quitte la simple représentation et propose la perception singulière de l’artiste (Manet, Cassatt).