Domenico Veneziano. Vierge à l’Enfant (v. 1445-50)

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Patrick AULNAS

Le vénitien Domenico di Bartolomeo fut surnommé par les florentins Domenico Veneziano (de Venise). Peintre célèbre dans l’Italie de la  première moitié du 15^e siècle, il avait  sans doute connu la peinture flamande dans sa jeunesse vénitienne. Vasari signale qu’il transmit à Andrea del Castagno, peintre florentin, les secrets de la peinture à l’huile. Vrai ou fausse, cette anecdote rappelle que la technique de l’huile vient de Flandre en passant par Venise. Il n’empêche que de nombreuses peintures subsistant aujourd’hui de Veneziano utilisent la technique plus ancienne de la tempera sur bois. C’est le cas de la Vierge à L’Enfant de la National Gallery de Washington.

Domenico Veneziano. Vierge à l’Enfant (v. 1445-50)
Tempera sur panneau de peuplier, 83 × 57 cm, National Gallery of Art, Washington.
Image HD sur NATIONAL GALLERY OF ART

Analyse comparative de l’œuvre

Cette Vierge à l’Enfant est le résultat d’une évolution du peintre sur une vingtaine d’années. Chef-d’œuvre trop peu connu, cette composition permet au grand coloriste qu’était Veneziano de déployer tout le savoir-faire acquis depuis sa jeunesse. Le personnage de la Vierge est devenu très maternel. De son visage et de ses mains émanent douceur et sérénité avec sans doute une pointe d’inquiétude, omniprésente dans la figure de la Vierge, car son fils sera crucifié.

Domenico Veneziano. Vierge à l’Enfant (1445-50), détail

Au début de sa carrière, la Vierge restait chez Veneziano très hiératique et apparaissait sur un trône imposant permettant de mettre en œuvre, de façon très appuyée, les leçons de Masaccio sur la perspective :

Domenico Veneziano. Vierge à l'enfant ou Tabernacle Carnesecchi (1435)            
Fresque transférée sur toile, 241 × 120 cm,  National Gallery, London.

Le contraste entre cette Vierge encore inspirée du modèle byzantin et la douce Vierge à l’enfant de la National Gallery permet de mesurer l’évolution intellectuelle du peintre sur un des thèmes les plus courants de l’époque. La première composition se rattache encore aux primitifs italiens du siècle précédent, la seconde préfigure la peinture du 16^e siècle.

Les peintures tardives de Veneziano se caractérisent par l’utilisation de tons clairs, qui illuminent l’ensemble de la composition, et par la modélisation sculpturale des visages. Les cheveux blonds de la Vierge sont déjà présents en 1435-37 :

Domenico Veneziano. Vierge à l'enfant (1435-37)
Tempera sur bois, 86 × 61 cm, Berenson Collection, Florence.

Le rose pâle de la tunique apparaît dans la Vierge du Retable Magnoli de 1445 :

Domenico Veneziano. Retable Magnoli. La Vierge à l'enfant, détail (v. 1445)
Tempera sur bois, Galerie des Offices, Florence.

Dans la Vierge de la National Gallery, comme dans toutes les peintures de l’époque, les détails sont extrêmement soignés, par exemple les incrustations de pierres précieuses sur la tunique de la Vierge :

Domenico Veneziano. Vierge à l’Enfant (1445-1450), détail

Le visage de Jésus Christ n’a pas du tout les caractéristiques d’un visage d’enfant car les enfants étaient perçus comme des adultes en miniature, sans doute par insuffisance d’intérêt pour eux de la part des hommes de l’époque.

Domenico Veneziano Vierge à l’Enfant (1445-1450), détail

L’arrière-plan floral est une innovation qui apparaît vers le milieu du siècle :

Domenico Veneziano. Vierge à l’Enfant (1445-1450), détail

Compositions de l’époque sur le même thème

Les flamands (Van Eyck, Campin) recherchent un certain réalisme en plaçant la scène religieuse dans un cadre domestique. La Vierge peut avoir une activité noble comme la lecture. La technique de la peinture à l’huile est utilisée. Les italiens idéalisent la scène en plaçant la Vierge dans un espace entièrement imaginé par l’artiste. Lippi évolue, comme Veneziano, d’une Vierge hiératique vers une Vierge douce et maternelle. La technique de la tempera domine encore largement en Italie.