Cimabue

Cimabue. Crucifix (1268-71). Tempera sur bois, 336 × 267 cm, San Domenico, Arezzo. Cette grande composition est la première œuvre connue de l’artiste. L'attribution à Cimabue est en général admise aujourd'hui. Mais le tondo supérieur (image circulaire) est d'un autre peintre. A l'extrémité des bras du Christ apparaissent la Vierge et saint Jean. La peinture byzantine avait choisi un Christ majestueux et dominateur (Christ Pantocrator) qui voulait imposer le respect aux hommes. Cimabue lui préfère un Christ souffrant qui meurt sur la croix. Il s’agit désormais d’émouvoir les fidèles en provoquant l’empathie.

Cimabue. Crucifix, détail (1268-71). Tempera sur bois, 45 × 28 cm, San Domenico, Arezzo. Ce détail, situé à l'extrémité gauche de la croix, représente la Vierge. Cimabue a conservé le fond or en usage au Moyen Âge. Curieusement, la schématisation géométrique du visage et des plis du vêtement nous rappellent aujourd'hui le cubisme : paradoxe apparent puisque ce courant du 20^e siècle a des racines « primitivistes » (africaines, océaniennes) qui séduisent par leur spontanéité préraphaélite certains artistes du début du 20^e siècle.

Cimabue. Crucifix (1272-88). Tempera et or sur bois, 448× 390 cm, museo dell’opera di Santa Croce, Florence. Le crucifix de Santa Croce est conçu sur le même modèle que celui d’Arezzo. Il avait été très endommagé par les inondations de 1966. Sa restauration a nécessité des années de travail et il ne fut à nouveau visible qu’en 1975.

Cimabue. Vierge à l’Enfant avec saint François et quatre anges (1278-80). Fresque, 320 × 340 cm, basilique inférieure Saint-François d’Assise. La fresque a été restaurée au 19^e siècle. Les spécialistes s’accordent sur une datation antérieure aux fresques de la basilique supérieure. Cette Vierge en majesté perd une partie de l’hiératisme de celles de la peinture byzantine, mais les anges qui l’entourent ont tous le même visage. La personnalisation n’apparaîtra qu’au cours de la Renaissance (15^e-16^e siècles).

Cimabue. Vierge à l’Enfant avec saint François et quatre anges, détail (1278-80). Fresque, 73 × 60 cm, basilique inférieure Saint-François d’Assise. L’auréole de la sainteté, qui entoure la tête, est une prescription de la peinture byzantine. Le dessin du visage insiste sur le nez, les arcades sourcilières et les très grands yeux expressifs. Une douce mélancolie s’en dégage, qui représente l’un des premiers pas vers la féminisation du personnage.

Transept de la basilique supérieure Saint-François d’Assise. Les fresques, très abîmées, comportent des motifs ornementaux, des scènes de la vie de la Vierge, les quatre évangélistes (Jean, Marc, Luc, Matthieu), l’Apocalypse et des scènes des actes des apôtres. Il est difficile de déterminer ce qui est de la main de Cimabue dans la mesure où il s’agissait d’un travail en équipe.

Cimabue. La capture du christ, détail (1280-83). Fresque, basilique supérieure Saint-François d’Assise. Il n’est pas certain que ce détail soit de la main de Cimabue. Le personnage de gauche est Judas, qui dénonça le Christ aux gardes en l’embrassant. Sa récompense s’élevait à trente deniers.

Cimabue. La Vierge et l'Enfant en majesté entourés d'anges (v. 1280). Tempera sur bois, 427 × 280 cm, musée du Louvre, Paris. « Par sa monumentalité, la somptuosité du fond, le retable du Louvre donne du thème de la Maestà, c'est-à-dire la Vierge avec l'Enfant sur un trône soutenu par des anges, glorifiée comme reine des cieux, une illustration particulièrement saisissante. Sur le cadre original, vingt-six médaillons peints représentent en haut le Christ et quatre anges, puis des saints et des prophètes. [...] La composition de la Maestà est symétrique et dense, encore massive. La Vierge est imposante par son hiératisme, et le geste de bénédiction du jeune Jésus peu enfantin. Pourtant, c'est avec une douceur et une souplesse nouvelles que Cimabue modèle les visages, désormais empreints d'humanité véritable. » (Notice musée du Louvre)

Cimabue. Vierge en majesté ou Maestà di Santa Maria (1280-90). Tempera sur bois, 218 × 188 cm, basilique Santa Maria dei Servi, Bologne. La  Vierge en majesté tenant son enfant sur les genoux (ou Maestà) est un thème courant de la peinture byzantine. Comme pour celle du Louvre ci-dessus, Cimabue conserve le fond or et la solennité de l’ensemble, caractéristiques des Vierges byzantines. Du chemin reste à parcourir pour aboutir aux madones totalement humaines de Filippo Lippi, a fortiori à celles de Raphaël. Cependant, la tête penchée, le visage expressif de la Vierge et l’application à représenter les plis du vêtement l’éloignent déjà des standards de Byzance qui excluaient toute forme de réalisme.

Cimabue. La Vierge en majesté ou Maestà (1285-86). Tempera sur bois, 385 × 223 cm, Galerie des Offices, Florence. Le panneau se trouvait à l'origine sur le maître-autel de l'église Santa Trinità à Florence. Cette Vierge ressemble beaucoup à celle du Louvre, ci-dessus. Mais quatre figures bibliques apparaissent dans la partie inférieure : les prophètes Jérémie et Isaïe sous les arcades latérales, Abraham et le roi David au centre. La profondeur spatiale est traitée par superposition des personnages et par la base concave du trône. Les visages possèdent une incontestable vitalité, même s'ils restent assez schématiques et s'ils sont tous à peu près identiques.

Cimabue. Vierge à l’Enfant avec deux anges (1280-85). Tempera sur bois, 25,6 × 20,8 cm, National Gallery, Londres. « Ce magnifique panneau, extrêmement rare, est le seul travail de Cimabue actuellement présent Grande-Bretagne et l’une des deux peintures de petites dimensions de l’artiste, ayant été conservées. Il a sans doute fait partie d'un diptyque comportant probablement plusieurs scènes de la Passion du Christ, dont La Flagellation conservée dans la Frick Collection à New York. Les autres scènes, probablement six, ont été perdues. » (Commentaire National Gallery)

Cimabue. Flagellation du Christ (1280-85). Tempera sur bois, 24,8 × 20 cm, The Frick Collection, New York. Second panneau conservé du diptyque. Conformément aux conventions du Moyen Âge, le Christ est représenté plus grand. La taille symbolise une hiérarchie sociale ou religieuse.

Cimabue. Christ Pantocrator, vue d’ensemble (1301-1302). Mosaïque, dôme de la cathédrale de Pise.

Cimabue. Christ Pantocrator (1301-1302). Mosaïque, dôme de la cathédrale de Pise. Le mot latin pantocrator signifie maître de tout, tout puissant. Cette représentation majestueuse du Christ est courante dans l’art byzantin et s’oppose à celle du Christ souffrant, privilégié par l'art occidental. Chez Cimabue, les deux représentations coexistent (voir ci-dessus, Crucifix) en fonction des desiderata des commanditaires.

Cimabue. Nativité du baptistère Saint-Jean (fin 13^e siècle). Mosaïque, baptistère Saint-Jean, Florence. Le baptistère Saint-Jean est un bâtiment octogonal dont la voûte et les parois sont couvertes de mosaïques de style byzantin. De nombreux artistes s’y sont succédé et on peut citer pour le 13^e siècle Gaddo Gaddi et Cimabue. L’apport personnel de Cimabue reste conjectural. Cette nativité reste totalement byzantine par l’abondance des dorures et la schématisation des scènes, en particulier l’étable où se trouve l’Enfant.