Vincent van Gogh

Vincent van Gogh. Nature morte au chapeau de paille jaune (déc. 1881). Huile sur toile, 37 × 54 cm, musée Kröller-Müller, Otterlo. Cette composition a été préparée avec la collaboration d’Anton Mauve, cousin par alliance de Van Gogh et peintre installé à La Haye. Anton Mauve a enseigné le dessin et la peinture à Van Gogh de fin 1881 à fin 1883.

Vincent van Gogh. Parterres de fleurs en Hollande (avr. 1883). Huile sur toile sur bois, 49 × 66 cm, National Gallery of Art, Washington. « Il semble probable que Parterres de fleurs en Hollande faisait partie des œuvres que l'artiste abandonna à Nuenen lorsqu'il partit précipitamment vers Anvers fin 1885. Ces œuvres furent transférées à Breda en 1886, lorsque la mère et la sœur de Van Gogh, Willemina, déménagèrent vers la ville, puis stockées chez un charpentier de Breda, Adrianus Schrauwen. » (Notice National Gallery of Art).
Le tableau permet d’apprécier l’art du peintre avant sa période sombre correspondant à une crise intellectuelle et morale à caractère mystique. Le caractère pointilliste des parterres de fleurs et le chromatisme affirmé vont disparaître par la suite mais réapparaître après l’installation en France.

Vincent van Gogh. Les mangeurs de pommes de terre (avr. 1885). Huile sur toile, 83 × 116 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam. Après leur journée de travail, des paysans néerlandais mangent des pommes de terre en se servant dans un plat unique placé au centre de la table. Les visages aux traits grossiers exprimant tristesse et fatigue, la faible lumière, le cadre austère de la petite pièce font de ce tableau célèbre une étude très naturaliste des paysans pauvres de la fin du 19^e siècle. Van Gogh était influencé à cette époque par les peintres du réalisme social de l’école de La Haye. Réalisée à Nuenen après de multiples études de têtes, cette composition de la période sombre fait apparaître pour la première fois la puissance expressive de l’artiste. Et déjà, sans le jaillissement des couleurs de la période française, Van Gogh maîtrise un style à nul autre pareil.

Vincent van Gogh. La sage-femme (déc. 1885). Huile sur toile, 50 × 40 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam. Encore appelé Tête d'une vieille femme avec un bonnet blanc, ce tableau fait partie des nombreux portraits de gens du peuple que réalisa l’artiste en 1885. Seul le visage est étudié avec soin, le reste étant rapidement suggéré. Le dessin puissant fait ressortir les traits que le peintre accentue par des empâtements ocre. Le regard sans concession est celui d’une femme habituée aux réalités humaines.

Vincent van Gogh. Fritillaires, couronne impériale dans un vase de cuivre (mai 1887). Huile sur toile, 74 × 61 cm, musée d’Orsay, Paris. « Les fritillaires sont des plantes à bulbe qui, comme les tulipes, fleurissent au printemps [...] Lorsqu'il réalise ce tableau, Vincent réside à Paris et entretient une relation étroite avec Paul Signac. Il n'est donc pas surprenant de constater que Van Gogh applique dans son œuvre quelques-uns des principes de la peinture néo-impressionniste dont Signac est l'un des représentants majeurs : la touche pointilliste est utilisée pour le fond du tableau et un contraste de couleurs complémentaires, bleu et orangé, domine la composition. Mais l'influence des théories néo-impressionnistes reste limitée. La touche divisée n'est utilisée que pour une surface déterminée, le jeu des couleurs complémentaires ne limite aucunement Van Gogh dans le choix des teintes, enfin, en choisissant une nature morte, il s'écarte des thèmes traités par Seurat et ses suiveurs. » (Commentaire musée d’Orsay)

Vincent van Gogh. Le père Tanguy (Automne 1887). Huile sur toile, 92 × 75 cm, musée Rodin, Paris. « Julien-François Tanguy (1825-1894) tient une petite boutique de couleurs, rue Clauzel, et accepte souvent des tableaux en échange de ses marchandises. Il en prend souvent aussi en dépôt pour en favoriser la vente.
Van Gogh réalise trois portraits du Père Tanguy. Dans celui-ci, dont le marchand ne voudra jamais se défaire, les couleurs pures, l’usage du contraste des complémentaires, les touches visibles et orientées, l’espace plat, sont autant d’éléments d’un langage néo-impressionniste que le peintre utilise de façon libre. Il choisit de représenter le vieil homme dans une position strictement frontale, immobile, les mains croisées sur l’estomac, les yeux perdus dans un rêve, et réussit à faire sentir toute la bonté et la modestie du personnage. Van Gogh rend hommage au "broyeur de couleurs" dont il fait une sorte de vieux sage japonais, en le plaçant sur un fond entièrement saturé de quelques-unes des innombrables estampes japonaises aux couleurs vives que le peintre collectionne avec son frère Théo. » (Commentaire musée Rodin)

Vincent van Gogh. Souvenir de Mauve (mars 1888). Huile sur toile, 73 × 60 cm, musée Kröller-Müller, Otterlo. Cousin par alliance de Van Gogh, le peintre néerlandais Anton Mauve avait appris à Van Gogh les techniques de l’aquarelle et de l’huile. Le jour où il réalise ce tableau, il reçoit une lettre de sa sœur qui lui annonce la mort de Mauve. L’artiste lui dédie alors cette peinture en inscrivant en bas Souvenir de Mauve Vincent & Theo. Il écrit à son frère Théo : « Nous l’enverrons à Mme Mauve avec nos deux noms […] Il me semblait qu'en mémoire de Mauve nous avions besoin de quelque chose de tendre et de très joyeux et non d'une étude plus sérieuse que celle-là. »

Vincent van Gogh. Vue des Saintes-Maries-de-la-Mer (juin 1888). Huile sur toile, 64 × 53 cm, musée Kröller-Müller, Otterlo. Fin mai 1888, Vincent van Gogh visite les Saintes-Maries-de-la-Mer, village de pêcheurs sur la Méditerranée. « Il reste quelques jours dans le village de pêcheurs et, dans cette courte période, fait neuf dessins, deux peintures avec des scènes de plage et des paysages maritimes avec des bateaux de pêche ainsi que cette peinture des Saintes-Maries-de-la-Mer. […] Van Gogh représente les maisons construites à proximité les unes des autres par des aplats de différentes couleurs. Les côtés des maisons face au soleil sont peints dans des teintes chaudes et légères, et les côtés ombragés en bleu. Outre les plants de lavande, le tableau est dominé par le "bleu vert du ciel chauffé à blanc", selon la description qu’il fait de la lumière de la Provence dans une de ses lettres. » (Commentaire musée Kröller-Müller)

Vincent van Gogh. Terrasse de café le soir (sept.1888). Huile sur toile, 80,7 × 65,3 cm, musée Kröller-Müller, Otterlo. Van Gogh cherche à dépasser les conventions de l'esthétique de la représentation : la nuit est noire, donc il convient de la représenter sur la toile avec du noir sur lequel se détachent des éléments de "lumière blafarde et blanchâtre", selon une expression qu’il utilise dans une lettre. Il veut au contraire montrer une nuit aux couleurs vives en peignant sur le motif et peut-être, dit-il, en se trompant parfois sur la tonalité exacte. Mais après tout, cela n'est que le résultat de la perception nocturne des couleurs et ne contredit pas l'objectif poursuivi. Le génie du grand artiste est là : utiliser du jaune, du bleu, du mauve, du vert, tout en donnant au spectateur une impression complétement nocturne.

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Vincent van Gogh. Nuit étoilée sur le Rhône (sept.1888). Huile sur toile, 72,5 × 92 cm, musée d'Orsay, Paris. La nuit intéresse beaucoup Van Gogh. Il la juge « encore plus richement colorée que le jour, colorée des violets, des bleus et des verts les plus intenses. » Le tableau a été peint à Arles sur les bords de Rhône, de façon à saisir les reflets de l’éclairage urbain au gaz sur la surface du fleuve. Le ciel étoilé, d’un bleu profond et traité en empâtements, est caractéristique de la perception de van Gogh. Ce bleu rappelle d’ailleurs les ciels de Giotto et nous renvoie en réalité à une ancienne tradition picturale (voir par exemple Giotto,  Noli me tangere, 1304-06).

Vincent van Gogh. Café de nuit (sept. 1888). Huile sur toile, 71 × 90 cm, Yale University Art Gallery, New Haven. Le tableau représente le Café de la Gare, à Arles, à une heure avancée de la nuit (l’horloge marque minuit un quart). Il illustre la solitude du peintre à Arles. La composition est découpée en bandes horizontales de couleur rouge, jaune et verte et l’effet de perspective n’est pas rigoureusement mathématique, mais volontairement disloqué. Les grands aplats de couleur éloigne l’artiste de l’impressionnisme et l’amène sur la voie du fauvisme.

Vincent van Gogh. L'Arlésienne : Madame Ginoux (nov 1888). Huile sur toile, 91 × 74 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Madame Ginoux (1848-1911) était la propriétaire du Café de la Gare, où Van Gogh vécut à Arles entre mai et septembre 1888, avant de louer et d’emménager dans la Maison Jaune voisine. Van Gogh peint cette femme dans son costume traditionnel d’apparat de la région d’Arles. Le peintre écrit à son frère Théo : « J'ai enfin une Arlésienne, une figure sabrée dans une heure, fond citron pâle, le visage gris, l'habillement noir, noir noir, du bleu de prusse tout cru. Elle s'appuie sur une table verte et est assise dans un fauteuil de bois orangé. » L’influence de Gauguin, présent à Arles à cette époque, transparaît dans les grands aplats de couleur pure qui proviennent du synthétisme.

Vincent van Gogh. Tournesols (janv. 1889). Huile sur toile, 92 × 71 cm, Philadelphia Museum of Art. « Alors qu'il attendait Paul Gauguin qui devait le rejoindre dans la ville provençale d'Arles en 1888, Vincent van Gogh a peint cinq natures mortes de tournesols audacieusement décoratives dans de simples cruches en terre cuite. Au moins deux de ces toiles ont décoré la chambre de Gauguin quand il rejoignit la ville à la fin d'octobre, et le peintre français les admirait beaucoup. » (Commentaire Philadelphia Museum of Art).

Vincent van Gogh. Les iris (mai 1889). Huile sur toile, 74,3 × 94,3 cm, J. Paul Getty Museum, Los Angeles. La composition saisit l’observateur par sa puissance évocatrice et son chromatisme radical. Il s’agit bien de l’enchevêtrement caractéristique d’un massif d’iris. Les fleurs, présentant des caractéristiques communes mais des formes différenciées, émergent des feuilles allongées aux multiples courbures. Van Gogh a bien observé les iris et en fait une représentation formelle réaliste et forte. La force de l’image provient de la capacité de l’artiste à capter l’essentiel et à le restituer : entrecroisements des feuilles, fleurs éclatées.

Analyse détaillée

Vincent van Gogh. La nuit étoilée (juin 1889). Huile sur toile, 74 × 92 cm, Museum of Modern Art, New York. « "Ce matin, j'ai vu la campagne de ma fenêtre longtemps avant le lever du soleil, avec rien que l'étoile du matin, qui avait l'air très grande", a écrit van Gogh à son frère Théo, de France. Enracinée dans l'imagination et la mémoire, La nuit étoilée incarne une expression intérieure et subjective de la perception de la nature chez van Gogh. Avec des touches épaisses, un cyprès en forme de flamme relie le ciel bouillonnant et le paisible village en contrebas. Le village a été en partie inventé, et la flèche de l'église évoque la terre natale de van Gogh, les Pays-Bas. » (Commentaire MoMA)

Vincent van Gogh. La chambre de van Gogh à Arles (sept. 1889). Huile sur toile, 57 × 74 cm, musée d’Orsay, Paris. « Dans une lettre adressée à son frère Théo, Vincent explique ce qui l'incite à peindre une telle œuvre : il veut exprimer la tranquillité et faire ressortir la simplicité de sa chambre au moyen du symbolisme des couleurs. Pour cela, il décrit : "les murs lilas pâle, le sol d'un rouge rompu et fané, les chaises et lit jaune de chrome, les oreillers et le drap citron vert très pâle, la couverture rouge sang, la table à toilette orangée, la cuvette bleue, la fenêtre verte", affirmant : "J'avais voulu exprimer un repos absolu par tous ces tons divers".
​A travers ces différents tons, c'est au Japon, à ses crépons et à ses estampes que Van Gogh fait référence. Il se justifie ainsi : "Les Japonais ont vécu dans des intérieurs très simples et quels grands artistes ont vécu dans ce pays". Même si, aux yeux des Japonais, une chambre ornée de tableaux et de meubles ne semble pas véritablement simple, pour Vincent c'est "une chambre à coucher vide avec un lit en bois et deux chaises". Il atteint malgré tout un certain dépouillement par sa composition constituée presque uniquement de lignes droites et par une combinaison rigoureuse des surfaces colorées qui suppléent à l'instabilité de la perspective. » (Commentaire musé d’Orsay)

Vincent van Gogh. Le jardin de l’hôpital Saint-Paul (déc. 1889). Huile sur toile, 72 × 91 cm, van Gogh Museum, Amsterdam. « Cette peinture représente le jardin de l’hôpital de Saint-Rémy où van Gogh a passé une année. Il y travaillait régulièrement lorsque sa maladie l'empêchait de s'aventurer dehors. Van Gogh écrivit à son ami Bernard à propos de ce tableau: "Tu comprendras que cette combinaison d'ocre rouge, de vert grisé, de lignes noires qui définissent les contours, cela rappelle un peu l'angoisse dont certains de mes compagnons d'infortune souffrent souvent, et qu'on appelle voir rouge".
Van Gogh avait découvert qu'il pouvait utiliser des couleurs pour exprimer un sentiment. Il a intensifié la charge émotionnelle de ses œuvres en combinant les couleurs pour créer d'une part l'harmonie, d’autre part le contraste. » (Commentaire Van Gogh Museum)

Vincent van Gogh. Les iris (mai 1890). Huile sur toile, 92,1 × 73,7 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « En mai 1890, juste avant de quitter l'asile de Saint-Rémy, van Gogh peint quatre exubérants bouquets de fleurs printanières, les seules natures mortes de quelque ambition qu'il ait réalisées durant son séjour d'un an. Deux représentent des iris et deux représentent des roses, avec des différences importantes de couleurs et de formes. Dans Les Iris du MET, il cherche un effet "harmonieux et doux" en plaçant les fleurs "violette" sur un "fond rose", ces couleurs s’étant estompées depuis en raison de l’utilisation de pigments rouges instables. » (Commentaire MET)

Vincent van Gogh. Le docteur Paul Gachet (juin 1890). Huile sur toile, 68 × 57 cm, musée d’Orsay, Paris. « Figure inséparable de la dernière période de la vie de Vincent à Auvers, le docteur Gachet revêtait une personnalité originale. Médecin homéopathe s'intéressant à la chiromancie, sa véritable passion le portait vers les arts. Il était lui-même un bon graveur et entretenait des relations avec une multitude d'artistes, parmi lesquels Manet, Monet, Renoir et Cézanne. C'est donc naturellement que van Gogh se présenta chez lui au lendemain de son internement à Saint-Rémy-de-Provence, sur les conseils de son frère Théo. Spécialisé en psychiatrie, le praticien aida de son mieux Vincent à vaincre ses angoisses tout en lui offrant un confort matériel propice à l'épanouissement.
Le portrait du docteur participe de cette phase créative particulièrement intense. Modèle privilégié, il est campé dans une attitude mélancolique, reflet de "l'expression navrée de notre temps", ainsi que l'écrira van Gogh. Seule touche d'espoir dans ce portrait sévère, aux tonalités froides, la fleur de digitale qui, par ses vertus curatives, apporte un peu de réconfort et d'apaisement. Malgré son dévouement, le docteur Gachet ne pourra empêcher le geste irrémédiable de van Gogh, qui devait bientôt se donner la mort. » (Commentaire musée d’Orsay)

Vincent van Gogh. L'église d'Auvers-sur-Oise, vue du chevet (juin 1890). Huile sur toile, 94 × 74 cm, musée d’Orsay, Paris. « Ce tableau est le seul que Vincent van Gogh a consacré à l'église d'Auvers. Cette église, construite au XIIIe siècle dans le premier style gothique, flanquée de deux chapelles romanes, devient, sous le pinceau de l'artiste, un monument flamboyant qui semble prêt à se disloquer sous une pression venue du sol et des deux chemins qui l'enserrent. Si l'on compare ce tableau avec les Cathédrales de Claude Monet, peintes peu de temps après, on mesure ce qui sépare la démarche de van Gogh de celle des impressionnistes. Contrairement à Monet, il ne cherche pas à rendre l'impression des jeux de la lumière sur le monument. Même si l'église reste reconnaissable, la toile propose moins au spectateur une image fidèle de la réalité qu'une forme d' "expression" de celle-ci. Les moyens plastiques utilisés par van Gogh annoncent le travail des fauves et des peintres expressionnistes. » (Commentaire musée d’Orsay)

Vincent van Gogh. Chaumes de Cordeville (juin 1890). Huile sur toile, 73 × 92 cm, musée d’Orsay, Paris. « C'est à une véritable transmutation impulsée par des forces psychiques que le peintre soumet ici le paysage. Les tranquilles maisons aux toits de chaume que l'on peut encore observer sur d'anciennes photographies paraissent soulevées par quelque puissante force tellurique qui dilate les volumes. Le dessin échevelé, tourbillonnant, fait onduler le toit, enroule en spirale les branches d'arbre, transforme les nuages en arabesques... De plus, la matière picturale est travaillée en pleine pâte, creusée dans son épaisseur par de véritables sillons.
De toute évidence, ce n'est pas l'artiste qui, à l'instar des romantiques, est bouleversé par le paysage grandiose. Au contraire, c'est bien lui qui tourmente et enflamme la moindre masure, le moindre cyprès. Comme dans le Ciel étoilé de 1889 (New York, MoMA), tous les éléments du paysage s'unifient dans les torsions de leurs contours et donnent à toute la vue un aspect fantastique. » (Commentaire musée d’Orsay)

Vincent van Gogh. Mademoiselle Gachet dans son jardin (juin 1890). Huile sur toile, 46 × 55 cm, musée d’Orsay, Paris. Marguerite Gachet apparaît en robe blanche au milieu du jardin abondamment fleuri de son père. Le paysage apocalyptique, comme tous ceux des dernières années de la vie de l’artiste, correspond à un regard sur la nature dépourvu de toute quiétude, révélateur du trouble mental qui allait emporter le peintre le mois suivant. Van Gogh a peint deux tableaux de la fille du docteur Gachet, l’un au jardin, l’autre au piano. Alors âgée de vingt-et-un ans, Marguerite Gachet était perçue comme une amie par le peintre, mais son père n’avait pas autorisé les séances de pose. Lorsqu’il  apprit l’existence des tableaux, il interdit toute rencontre entre Vincent et Marguerite, sauf présence d’un tiers. Van Gogh écrira ensuite à son frère Théo qu’il était fort malheureux de ne pas avoir d’amitié féminine.

Vincent van Gogh. Presbytère et église à Etten (1876). Crayon et encre sur papier, 18 × 9,5 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Vincent van Gogh. Portrait de femme (1882-83). Crayon et encre sur papier, 39 × 25 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Vincent van Gogh. La guinguette (1887). Crayon et mine de plomb sur papier, 38 × 50 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Vincent van Gogh. Portrait du facteur Joseph Roulin (1888). Plume et encre sur papier, 32 × 24 cm, J. Paul Getty Museum, Los Angeles.

Vincent van Gogh. Fontaine du Jardin de l'hôpital Saint-Paul (1889). Craie, crayon et encre sur papier, 49,5 × 46 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam.

Vincent van Gogh. Mademoiselle Gachet au piano (1890). Crayon sur papier, 32 × 24 cm, Van Gogh Museum, Amsterdam.