Thomas Cole

Thomas Cole. Le lac aux arbres morts (Catskil) (1825). Huile sur toile, 69 × 86 cm, Allen Memorial Art Museum, Oberlin, Ohio. « Le lac aux arbres morts (Catskill) était l’un des cinq paysages présenté par Cole, fin octobre ou début novembre 1825, dans la librairie de William Coleman à New York. Parmi les cinq tableaux, chacun au prix de 25 $, Vue de Cold Spring sur l'Hudson et Paysage (actuellement perdu) ont été vendus à un acheteur inconnu, mais les trois autres attirèrent l'attention de trois grandes figures du monde de l’art américain. Le colonel John Trumbull (1756-1843), peintre américain de scènes historiques et président de l'Académie des Beaux-Arts américaine, a d’abord acheté Kaaterskill Upper Fall et Catskill Mountains (actuellement perdu). Il a ensuite signalé sa découverte à l’écrivain et artiste William Dunlap (1766-1839), qui a acheté Le lac aux arbres morts (Catskill) (actuellement à Oberlin), et à l'artiste Asher B. Durand (1796 à 1886), qui a acheté le Vue du Fort Putnam (actuellement au Philadelphia Museum of Art). En Novembre 1825, au moins deux, sinon les trois tableaux achetés par Trumbull, Dunlap et Druand ont été ajoutés à l'exposition de la New York American Academy of Fine Arts. Dunlap a lancé la carrière de Cole avec des articles louant son style autodidacte et sa technique, inspirés de sa jeunesse entreprenante et de son "américanité". » (Commentaire Memorial Art Museum)

Thomas Cole. Lever du jour dans les Catskill (1826). Huile sur toile, 65 × 90  cm, National Gallery of Art, Washington. « Cole a choisi un point de vue particulièrement élevé d’où l’observateur peut admirer plusieurs autres montagnes et des vallées remplies d’une brume qui brille dans la lumière matinale. Le premier plan est constitué de débris emmêlés de sous-bois, d’arbres abattus et tordus et d’affleurements rocheux surplombant le ravin. Il ne s’agit pas d’un aspect domestiqué et cultivé du paysage américain, mais d’une région sauvage et éloignée ne manifestant aucune présence humaine. » (Commentaire National Gallery of Art)

Thomas Cole. Chutes de Kaaterskill (1826). Huile sur toile, 109 × 92 cm, collection particulière. Les Kaaterskill Falls, situées dans l'État de New York, sont deux chutes d'eau d'environ 80 mètres représentant à l'époque l'archétype de la nature sauvage et qui devinrent le premier lieu touristique américain.

Thomas Cole. L’expulsion du jardin d’Eden (1828). Huile sur toile, 101 × 138 cm, Museum of Fine Arts, Boston. Cole écrivait à cette époque à son mécène Robert Gilmor qu’il recherchait une forme supérieure de peinture de paysage. Il s’agira de scènes porteuses d’un message moral basé sur la religion chrétienne. L’expulsion du jardin d’Eden juxtapose le paradis terrestre, espace lumineux à la végétation luxuriante, au monde terrestre d’après la chute symbolisé par des escarpements rocheux sombres à la végétation détruite. Un porche rocheux illuminé sépare les deux mondes. Les deux petites figures d’Adam et Ève ont quitté la terre paradisiaque et marchent désormais au bord de l’abîme. Ils ont péché…

Thomas Cole. Le cours de l’Empire. L’État sauvage (1834). Huile sur toile, 100 × 161 cm, New-York Historical Society. Le cours de l’Empire est un cycle de cinq tableaux représentant le destin historique d’une ville imaginaire située au bord d’un estuaire. Cette thématique illustre le ressenti populaire de l’époque : beaucoup d’américains plaçaient leur idéal dans le pastoralisme et craignaient que l’emprise de la civilisation industrielle sur la nature ne conduise à la décadence. L’État sauvage représente la nature primitive ne comportant que quelques humains, chasseurs-cueilleurs.

Thomas Cole. Le cours de l’Empire. L’État pastoral (1834). Huile sur toile, 100 × 161 cm, New-York Historical Society. L’État pastoral reflète une image idéalisée de l’homme en parfaite harmonie avec la nature. La peinture italienne de paysage avait déjà traité le thème du 16^e siècle au 18^e siècle. Il s’agit d’illustrer le locus amoenus, lieu idyllique évoqué par les poètes antiques.

Thomas Cole. Le cours de l’Empire. L’Apogée (1834). Huile sur toile, 130 × 193 cm, New-York Historical Society. L’apogée de l’Empire est figuré par une ville à l’architecture romaine dans laquelle l’ordre règne et où l’activité se déploie. Cette composition est la plus lumineuse du cycle, les bâtiments blancs se découpant sur un ciel bleu.

Thomas Cole. Le cours de l’Empire. La Destruction (1836). Huile sur toile, 100 × 161 cm, New-York Historical Society. Le ciel devient menaçant et les hommes paisibles du tableau précédent se battent. Un incendie s’est déclaré sur la droite. Guerre civile ou invasion, la ville est menacée de destruction.

Thomas Cole. Le cours de l’Empire. La Désolation (1836). Huile sur toile, 100 × 161 cm, New-York Historical Society. Il ne reste de la ville prospère que quelques vestiges et les humains ont quitté les lieux. L’atmosphère crépusculaire est soulignée par la pleine lune diffusant une lumière spectrale.

Thomas Cole. Le méandre (1836). Huile sur toile, 131 × 193 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. Ce tableau fut exposé en 1836 à la National Academy of Design avec le titre Vue du Mont Holyoke, Northampton, Massachusetts, après un orage. Thomas Cole se situe à la fois dans le courant romantique et réaliste. Ce paysage de composition classique oppose la nature vierge du Nouveau Monde, sur la gauche, aux terres cultivées de la vallée, à droite. Le point de vue a été soigneusement choisi à partir d'un lieu escarpé sur le Mont Holyoke (Massachusetts) d'où l'on peut apercevoir le méandre du fleuve Connecticut.

Thomas Cole. Le méandre, détail (1836). Le peintre et son chevalet ainsi que son bagage posé sur un rocher apparaissent au premier plan.

Thomas Cole. Le départ (1837). Huile sur toile, 100 × 162 cm, National Gallery of Art, Washington. Avec ce tableau et son pendant, Le retour, Cole cherche à concilier la narration historique et le paysage grandiose de l’Amérique du Nord. Les deux tableaux ont été commandés par de riches propriétaires fonciers avec comme seule prescription la thématique du matin et du soir. Le Départ représente une petite troupe de chevaliers partant guerroyer sous le commandement de leur seigneur monté sur un cheval blanc. Le paysage imaginaire composé de multiples éléments naturels et architecturaux rappelle étonnamment le paysage-monde des flamands du début du 16^e siècle tout en intégrant les leçons des classiques français du 17^e pour l’équilibre de la composition. Cole traite admirablement la lumière de l’aube sur la prairie et dans le feuillage. Ayant voyagé en Europe quelques années auparavant, il avait pu admirer les paysages de Claude Lorrain, grand maître des effets de lumière.

Thomas Cole. Le retour (1837). Huile sur toile, 100 × 161 cm, National Gallery of Art, Washington. Le retour représente ce qu’il reste de la troupe de chevaliers du Moyen Âge lorsqu’ils reviennent de leur équipée guerrière (voir Le départ ci-dessus). Moins nombreux, fatigués, ils transportent un blessé sur un brancard. Le paysage vespéral offre un cadre grandiose, au chromatisme exceptionnellement riche, à cette scène historique. Comme dans Le départ, mais de façon plus appuyée, Cole utilise remarquablement le contre-jour venant des profondeurs du tableau, procédé inventé par Claude Lorrain au 17^e siècle.

Thomas Cole. Le voyage de la vie : L’enfance (1842). Huile sur toile, 134 × 195 cm, National Gallery of Art, Washington. Cette allégorie de la vie humaine en quatre tableaux comporte une connotation morale d’inspiration chrétienne. Au retour de son voyage en Europe, en 1841-42, Cole devient membre de l’Église épiscopale. Il est donc préoccupé de spiritualité lorsqu’il peint ces quatre toiles. Un personnage archétypal parcourt la rivière figurant la vie. Il est accompagné de son ange gardien. Dans la première composition, le bateau de l’enfant sort d’une caverne et arrive dans un paysage paradisiaque où abondent les fleurs. Il va suivre le cours de la rivière jusqu’à la vieillesse.

Thomas Cole. Le voyage de la vie : La jeunesse (1842). Huile sur toile, 134 × 195 cm, National Gallery of Art, Washington. Cette seconde composition, la plus lumineuse, évoque la vaste perspective qui s’ouvre devant la jeunesse. Cole évoque cette idée en utilisant une perspective profonde le long de laquelle sinue la rivière de la vie qui reste à parcourir.

Thomas Cole. Le voyage de la vie : L’âge d’homme (1842). Huile sur toile, 134 × 203 cm, National Gallery of Art, Washington. La rivière devient torrent car l’homme mûr est confronté aux difficultés de la vie. L’espoir qui animait l’homme jeune dans le tableau précédent se transforme en doute. Les forces de la nature se déchaînent contre lui et son ange gardien, dans le ciel, s’est éloigné et ne le protège plus, car l’homme a péché.

Thomas Cole. Le voyage de la vie : La vieillesse (1842). Huile sur toile, 133 × 196 cm, National Gallery of Art, Washington. A l’approche de la mort, les eaux deviennent plus calmes mais les nuages s’accumulent et l’ange semble indiquer au vieil homme le chemin du ciel. Cette allégorie en quatre scènes paysagères reflète le destin tragique de l’homme vu par la religion chrétienne. La vie d’ici-bas n’est pas faite pour le bonheur.

Thomas Cole. Le pique-nique (1846). Huile sur toile, 127 × 137 cm, Brooklyn Museum of Art, New York. « Thomas Cole a réalisé cette peinture à l’automne 1845 pour répondre à une commande du banquier et philanthrope new-yorkais James Brown. Le thème du pique-nique permet à Cole présenter la coexistence idéalisée de la nature et de la civilisation. La demande de ce type de tableaux combinant figures et nature fut le résultat, au moins partiellement, de la popularité croissante des activités de plein air, en particulier les excursions avec pique-nique. Mais cette scène idyllique comporte des symboles du passage du temps et de la mort, comme le tronc d’arbre coupé à la hache, particulièrement apparent au premier plan. » (Commentaire Brooklyn Museum of Art)

Thomas Cole. La maison dans les bois (1847). Huile sur toile, 133 × 189  cm, Reynolda House, Museum of American Art, Winston-Salem, Caroline du Nord. Dans la nature vierge, une famille de l’époque de la conquête de l’Ouest a construit une maison de bois en utilisant les ressources naturelles. Le message moral n’est pas absent. « Dans La maison dans les bois, les ravages de la hache sont mis en évidence au premier plan. L'artiste oppose clairement la zone autour de la cabane, dépouillée de ses arbres et jonchée d’objets appartenant à la famille, aux montagnes vierges de l’arrière-plan. Il semble avertir le spectateur que, si les gens arrivent en grand nombre, ces lieux préservés disparaîtront. » (Commentaire Reynolda House, Museum of American Art)