Jean-Honoré Fragonard

Psyché montrant à ses sœurs les présents de l'amour (1753). Huile sur toile, 167 × 192 cm, National Gallery, Londres. Psyché est un personnage de la mythologie grecque. Fille d’un roi, d’une beauté exceptionnelle, elle suscite la jalousie d’Aphrodite, la déesse de l’amour, et se trouve confrontée à de multiples péripéties.

Vénus et Cupidon (1760). Huile sur toile, 37 × 34 cm, collection particulière. Vénus est la déesse de l’amour dans la mythologie romaine (Aphrodite chez les Grecs). Cupidon, fils de Vénus, est le dieu de l’amour (Eros chez les Grecs)

Renaud dans les jardins d’Armide (1763). Huile sur toile, 72 × 91 cm, musée du Louvre, Paris. « L’épisode évoqué dans ce tableau est tiré d’un épisode de La Jérusalem délivrée du Tasse, ouvrage paru en 1581. Le chevalier croisé Renaud, en route pour Jérusalem, est séduit par Armide, jeune sarrasine, dépitée d’avoir rendu amoureux tous les croisés sauf le jeune Renaud. Grâce à un sortilège, elle parvient à le rendre amoureux et le garde prisonnier de ses charmes, mais elle sera alors partagée entre l’amour qu’elle porte au jeune homme et la fureur d’avoir dû utiliser un charme pour parvenir à ses fins. » (Commentaire musée du Louvre)

Corésus et Callirhoé (1765). Huile sur toile, 309 × 400 cm, musée du Louvre, Paris. Le titre d’origine est Le grand prêtre Corésus se sacrifie pour sauver Callirhoé. C’est avec ce tableau que Fragonard obtient son titre d’académicien en 1765. Il a choisi la peinture d’histoire que l’Académie situe au sommet des genres picturaux. L’œuvre, de dimensions imposantes, traite un sujet totalement original, qui n’avait jamais été représenté auparavant. Corésus aime passionnément la jeune Callirhoé, mais celle-ci ne lui renvoie que mépris et haine. Il demande vengeance à Bacchus, dont il est le grand prêtre, et celui-ci exige l’immolation de Callirhoé ou de quelqu’un qui s’offrirait pour elle. Personne ne se présente pour sauver Callirhoé. Corésus décide alors de se sacrifier pour elle. Le tableau de Fragonard représente l’instant où Corésus s’immole. L’œuvre fut unanimement appréciée et permit à Fragonard de faire une entrée triomphale à l’Académie.

L’Adoration des Bergers (1775). Huile sur toile, 73 × 93 cm, musée du Louvre, Paris. Episode biblique concernant la naissance de Jésus-Christ à Bethléem. Les bergers proches de Bethléem sont informés par des anges de la venue du Sauveur. Ils se rendent à la crèche pour se prosterner devant l’Enfant Jésus.

La Bascule (1750-52). Huile sur toile, 120 × 94,5 cm, musée Thyssen-Bornemisza, Madrid. « Cette toile est le pendant du tableau du musée d’art de Tolède intitulé Colin-Maillard. Le tableau a été daté d’un stade précoce de la carrière de l’artiste, avant son premier voyage en Italie […] Le décor que Fragonard a choisi pour ces quatre personnages est un bosquet verdoyant à la végétation luxuriante […] Dans La Bascule, les formes, les mouvements et les gestes, ainsi que la couleur et la façon dont elle est appliquée, créent une image pleine de vitalité, où la jeune fille qui se balance avec élan est un beau modèle de dynamisme dû au jeu des diagonales. Son énergie s’étend de manière très naturelle au jeune homme qui la regarde avec perplexité, ainsi qu’aux deux enfants qu’il protège de son corps. Les touches sont fluides et les couleurs montrent une luminosité caractéristique du peintre. Cette toile apparaît comme un bon précédent de l’une des œuvres les plus célèbres de l’artiste : Les hasards heureux de l’escarpolette à la Wallace Collection à Londres. » (Commentaire musée Thyssen-Bornemisza)

Le Colin-maillard (1751). Huile sur toile, 117 × 91 cm, Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio. « Au XVIIIe siècle, le jeu du colin-maillard est devenu l'arène symbolique de la séduction, du hasard et des amusements amoureux (en rapport direct avec le concept « l'amour est aveugle »). Ludiquement érotique et sensuellement peinte, la scène de Jean-Honoré Fragonard se déroule à juste titre dans un jardin ; il développe le thème du carctère éphémère de l'amour juvénile en agrémentant sa composition de fleurs printanières. Clin d'œil au goût de l'aristocratie française du XVIIIe siècle pour les thèmes pastoraux romantiques, les personnages sont magnifiquement vêtus de vêtements rustiques, d’une propreté inattendue ; les chaussures de la femme sont même ornées de nœuds élégants.
Alors que l'amant chatouille la joue de sa bien-aimée avec un brin de paille, un enfant ressemblant à Cupidon lui effleure la main avec l'extrémité d'un bâton. Ces gestes aguicheurs sont destinés à conduire la femme vers l'objet de son désir ou à l'en éloigner. En cherchant à localiser son amoureux, la femme jette un coup d'œil sous son bandeau et capte notre regard, nous faisant comprendre qu'elle n'est pas aussi aveugle ou impuissante que son compagnon le pense. » (Commentaire Toledo Museum of Art)

Les hasards heureux de l’escarpolette (1767). Huile sur toile, 81 × 64 cm, Wallace Collection, Londres. La composition de cette œuvre est magistrale avec, au centre, les roses et les blancs du personnage féminin sur fond de paysage luxuriant et vaporeux. Les deux diagonales représentent le mouvement : amant caché au pied de la statue, maîtresse sur la balançoire et cordes de la balançoire, d’une part, mari trompé, cordes d’impulsion et soulier de la femme qui s’envole, d’autre part. Ce tableau avait été commandé à Fragonard peu après son admission à l’Académie. Un courtisan souhaitait être représenté avec sa maîtresse comme un amant secret caché dans un buisson. A l’origine, un évêque devait pousser la balançoire de la jeune femme. Mais Fragonard recula devant cet aspect anticlérical qui pouvait lui être préjudiciable et remplaça l’ecclésiastique par le mari. La scène gagne ainsi une connotation plus galante, voire érotique, selon certains.

La balançoire (1775-80). Huile sur toile, 215,9 × 185,5 cm, National Gallery, Washington. Fragonard reprend ici le thème de La Balançoire, déjà traité précédemment. Il met désormais l’accent sur le paysage. Ce tableau est l’un des plus beaux paysages de la peinture du 18^e siècle.
Analyse détaillée

La Poursuite (1771-72). Huile sur toile, 318 × 216 cm, Frick Collection, New York. Trois jeunes femmes élégantes, somptueusement vêtues, profitent d'un après-midi de printemps ou d’été dans un parc. Apparaît soudain un très jeune homme, caché derrière un socle massif de pierre supportant une urne fleurie de roses. Il salue courtoisement les jeunes femmes avec son chapeau à la main et leur offre une rose. Cette soudaine apparition suscite l’effroi des demoiselles. Le peintre utilise une gestuelle appuyée pour évoquer leur émotion.

La Surprise ou la Rencontre (1771-72). Huile sur toile, 318 × 244 cm, Frick Collection, New York. La jeune fille attend son prétendant dans un autre endroit du parc. Celui-ci a escaladé un mur pour la rejoindre et une échelle est visible à ses côtés. Sa compagne observe les alentours par crainte d’être surprise.

L’Amant couronné (1771-72). Huile sur toile, 318 × 243 cm, Frick Collection, New York. Nul secret n’est désormais imposé. Les deux amoureux ont passé un long moment ensemble dans le parc et se sont intéressés à une partition musicale ouverte à leurs côtés. Un tambourin a été placé au-dessus de la partition. Un peintre apparaît même sur la droite, dessinant les deux protagonistes.

La Lettre d’Amour (1771-72). Huile sur toile, 317 × 217 cm, Frick Collection, New York. La scène finale, La Lettre d'Amour, correspond à l’accomplissement de la relation amoureuse, marqué ici par le rapprochement des corps. Le jeune homme enlace la jeune femme lisant une lettre d’amour qu’il lui a adressée. Le couple est entouré de massifs de fleurs comme dans la scène précédente et une statue le domine sur la droite, représentant une déesse antique et Cupidon. La déesse pourrait être Héra déesse grecque du mariage et de la fécondité (Junon chez les romains).

Les Baigneuses (1761-65). Huile sur toile, 64 × 80 cm, musée du Louvre, Paris. « Après son retour d'Italie en 1761, l'artiste impécunieux travailla pour les amateurs d'une peinture friponne et sensuelle. Cette vision de nudités folâtres évoque celles de Boucher, le maître de Fragonard, ainsi que les corps plantureux de Rubens. Elle acquiert son originalité dans le dynamisme impérieux de la touche. » (Commentaire musée du Louvre)

La Leçon de Musique (1769). Huile sur toile, 110 × 120 cm, musée du Louvre, Paris. « Le jeune professeur de musique courtise son élève : ce thème, souvent traité par les peintres hollandais, baigne ici dans une atmosphère de rêverie amoureuse. "Toile précoce et inachevée" ou "esquisse tardive", le tableau déroute encore les spécialistes. » (Commentaire musée du Louvre)

La Lettre d’amour (1770). Huile sur toile, 83,2 × 67 cm, Metropolitan Museum of Art, New York. « Chez Fragonard, si on le compare à Boucher, la finition est toute relative. Ici, sur un fond brun, Fragonard nuance la composition avec des bruns plus sombres, dessine et modèle avec la pointe de la brosse en utilisant des traits d’épaisseur variable. Les couleurs et le blanc sont confinés à des espaces très lumineux au centre de la toile : visage poudré de la jeune femme, robe et chapeau, surface du papier et siège, de même que les fleurs et le chien. Cette toile célèbre du début des années 1770 doit être considérée comme une scène de genre et non comme un portrait. » (Commentaire MET)

Jeune Fille faisant jouer son chien sur son lit (1765-72). Huile sur toile, 70 × 87 cm, Fondation Cailleux, Paris. Fragonard a réalisé plusieurs variantes du thème de la très jeune fille jouant sur son lit avec son chien. Les jambes relevées et la présence caressante et ludique de l'animal permettent au peintre d'éveiller sensualité et érotisme.

La Gimblette (1770-75). Huile sur toile, 89 × 70 cm, Alte Pinakothek. Munich. Sur certaines versions du tableau, la jeune fille tient d’une main une gimblette qu’elle tend au chien. Les gimblettes étaient de petites pâtisseries sèches en forme d’anneaux. Le terme gimblette a par la suite été utilisé pour désigner ces compositions, même lorsque la pâtisserie n’apparaît pas comme sur celle de Munich.

Le Verrou (1776-79). Huile sur toile, 73 × 93 cm, musée du Louvre, Paris. Ce tableau a fait l’objet de longues dissertations, comme savent en faire les spécialistes, tant en ce qui concerne sa composition que sa symbolique, mais sans trouver d’accord sur sa signification exacte : scène d’amour ou de viol ? Peu importe au demeurant, l’essentiel étant dans l’esthétique de l’œuvre. Disons seulement que le consentement de la femme n’est pas très apparent…pour un non spécialiste.

Marie-Madeleine Guimard (1769). Huile sur toile, 82 × 65 cm, musée du Louvre, Paris. « Le portrait de cette toute jeune femme, probablement la danseuse Marie-Madeleine Guimard (1743-1816), se rattache à la série des figures de fantaisie créée par Jean-Honoré Fragonard autour de 1769. Elle donne l’impression de virevolter tout en prenant appui sur un entablement. » (Commentaire musée du Louvre)

La Liseuse (1770-72). Huile sur toile, 81 × 65 cm, National Gallery of Art, Washington. Le thème de la lecture a souvent été utilisé par les peintres hollandais, par exemple Vermeer, comme un élément d’une scène de genre. Fragonard choisit le portrait, focalisant ainsi sur le personnage absorbé par sa lecture. En choisissant un fond sombre et uniforme contrastant avec le jaune citron et le blanc de la robe, le peintre illumine sa composition et concentre l’intérêt de l’observateur sur la figure de la jeune-fille. L’intérêt que prend le personnage à sa lecture nous donne l’impression de déranger, de troubler un moment de recueillement. Le thème de la liseuse sera repris bien souvent par la suite, en particulier par Berthe Morisot à la fin du 19^e siècle.
Analyse détaillée

Jeune Ecolière (1775-78). Huile sur toile, 45 × 38 cm, Wallace Collection, Londres. « Ce tableau est un exemple typique des essais de Fragonard s’inspirant du style d'autres écoles ou peintres, en l’occurrence des œuvres hollandaises. Il rappelle Rembrandt par sa palette et sa touche, Ter Borch et Metsu par son sujet. La figure est comparable à des œuvres contemporaines de Greuze, Lépicié et Chardin, représentant des enfants plus ou moins studieux, reflétant le nouvel intérêt pour l'enfance apparaissant à cette période. » (Commentaire Wallace Collection)

Jean-Honoré Fragonard et Marguerite Gérard. Les premiers pas (1780-85)
Huile sur toile, 44 × 55 cm, Harvard Art Museums, Cambridge, USA.

Jean-Honoré Fragonard et Marguerite Gérard. L’enfant chéri (1780-85)
Huile sur toile, 44 × 55 cm, Harvard Art Museums, Cambridge, USA.

« Les premiers pas et L’enfant chéri datent d’une période d’étroite collaboration entre Fragonard et Marguerite Gérard, son élève et belle-sœur. L’étanchéité du feuillage et des figures, ainsi que la structure compositionnelle suggèrent la formation académique de Fragonard, qui est encore plus évidente dans son dessin pour Les premiers pas, également dans les collections de Harvard Art Museums. Cependant, le rendu somptueux des tissus et la touche délicate sur le visage maternel révèlent la main de son élève, qui est devenue une artiste indépendante en 1790. Les deux tableaux célèbrent les joies de la maternité, un thème exploré dans les écrits de Jean-Jacques Rousseau. » (Commentaire Harvard Art Museums)

Jean-Honoré Fragonard et Marguerite Gérard. Le baiser à la dérobée (1787). Huile sur toile, 45 × 55 cm, musée de l'Ermitage, Saint-Pétersbourg. « La période tardive de Fragonard a été marquée par une étude attentive des maîtres hollandais du 17^e siècle, dont l’influence se fait sentir dans ce chef-d’œuvre, Le baiser à la dérobée. La surface lisse et émaillée du tableau, les touches multiples utilisées pour traiter les détails avec une précision extrême rappellent incontestablement le travail des artistes néerlandais Metsu et Terborch. Fragonard représente avec délicatesse la texture de la surface et le matériau dont chaque objet est constitué. Pourtant, le sujet lui-même est une scène plaisante tirée de la vie, avec cette grâce et cette légèreté dans les mouvements des deux protagonistes, si typiques de l’art français de l’époque. La peinture s’inscrit nettement dans la mouvance du style rococo, déjà affecté par des tendances réalistes dans la seconde moitié du 18^e siècle. (Commentaire musée de l'Ermitage)